Аннотация: Объектом исследования являются современные произведения паблик-арта, установленные в России и Европе. Предмет исследования – тенденции развития различных форм западного и российского паблик-арта в его взаимосвязи с урбанистической средой. Цель статьи – проанализировать проекты паблик-арта, представленные в США, Западной Европе и России, определив их место в городском пространстве и влияние на общественное сознание. Поскольку настоящее исследование носит междисциплинарный характер, его методология предполагает использование комплексного подхода. В работе над статьей применялись методы современного искусствознания, направленные на теоретическое и искусствоведческое осмысление периода развития феномена паблик-арт. Одним из ключевых методов исследования стал социокультурный анализ, в рамках которого автор статьи рассматривает особенности взаимосвязи произведений западного и российского паблик-арта с городской средой, выявляя закономерности их исторического развития и причины актуализации в пространстве современного города. Семиотический метод дал возможность интерпретировать объекты паблик-арта с точки зрения заложенных в них смыслов и культурных паттернов, значимых для конструирования городского пространства. Материалы исследования имеют теоретическую и практическую значимость и могут применяться при составлении лекционных курсов, научных исследований, публикации материалов для искусствоведов, культурологов, историков и философов, занимающихся изучением феномена паблик-арта. Рассматривая паблик-арт в историко-культурном контексте на примере произведений американских, европейских и российских художников доказывает, что установленные в городских кварталах арт-объекты являются частью современной урбанистической среды и, вписавшись в широкий контекст визуального искусства, сосуществуют в союзе с городским дизайном и национальной спецификой региона. Но если паблик-арт на Западе старается решить материальные проблемы горожан, то российские художники, работающие в стиле паблик-арта стремятся создать атмосферу интеллектуального развития и эмоционального переживания.

Ключевые слова: скульптура, городская среда, общественное пространство, паблик-арт объект, паблик-арт проект, паблик-арт, жанр, современное искусство, памятник, монументально-декоративное искусство

Abstract: The object of the study is contemporary works of public art installed in Russia and Europe. The subject of the study is the development trends of various forms of Western and Russian public art in its relationship with the urban environment. The purpose of the article is to analyze public art projects presented in the USA, Western Europe and Russia, determining their place in the urban space and their impact on public consciousness. Since this study is interdisciplinary in nature, its methodology involves the use of an integrated approach. In the work on the article, the methods of modern art history were used, aimed at theoretical and art criticism understanding of the period of development of the public art phenomenon. One of the key research methods was a sociocultural analysis, in which the author of the article examines the features of the relationship between Western and Russian public art works with the urban environment, revealing the patterns of their historical development and the reasons for their actualization in the space of a modern city. The semiotic method made it possible to interpret public art objects in terms of their meanings and cultural patterns, which are significant for the construction of urban space. The research materials have theoretical and practical significance and can be used in the preparation of lecture courses, scientific research, publication of materials for art historians, cultural experts, historians and philosophers involved in the study of the phenomenon of public art. Considering public art in a historical and cultural context using the works of American, European and Russian artists as an example, he proves that art objects installed in city blocks are part of the modern urban environment and, having fit into the broad context of visual art, coexist in union with urban design and national the specifics of the region. But if public art in the West tries to solve the material problems of citizens, then Russian artists working in the style of public art strive to create an atmosphere of intellectual development and emotional experience.

Keywords: monumental and decorative art, monument, sculpture, urban environment, public space, public art object, public art project, public art, genre, contemporary art

Аннотация: Предметом исследования в рамках данной статьи является «Испанская рапсодия» Мориса Равеля в версии для двух фортепиано. Цель статьи заключается в рассмотрении жанровых особенностей произведения, которые отличаются преломлением принципов сразу двух жанров: рапсодии и сюиты. Исследовательский интерес представляют также средства фортепианной фактуры и иные средства выразительности, использованные композитором при воплощении программного замысла произведения. Результаты исследования должны способствовать осознанному интерпретированию «Испанской рапсодии» М. Равеля исполнителями с точки зрения принципов и законов формообразования и пианистических средств импрессионистской выразительности в воплощении испанских образов в музыке.   Новизна статьи заключается в том, что исследование обобщает и конкретизирует особенности формообразования в произведении, чем вносит вклад в исследование творческого метода композитора, изучение особенностей его работы с цикличными формами. В ходе исследования авторы приходят к выводу, что в «Испанской рапсодии» М. Равеля получают своё отражение черты непосредственно рапсодийности, заключающиеся в сопоставлении в едином целом контрастных фольклорных пластов, и черты сюитности, с одной стороны, выраженные в обобщённой трактовке испанской образности, с другой – в обращении композитора к жанровой модели барочной танцевальной сюиты. Помимо этого, сюитный принцип в строении формы произведения получает своё воплощение в специфическом импрессионистском преломлении жанровых признаков испанского танцевального фольклора в каждой из частей формы.

Ключевые слова: Испанская рапсодия Равеля, Морис Равель, рапсодия, сюита, испанский фольклор, музыкальный импрессионизм, испанские танцы, малагенья, хабанера, программность

Abstract: The subject of the study is Maurice Ravel's "Spanish Rhapsody" arranged for two pianos. The purpose of this article is to consider the genre features of the work, based on the refraction of the principles of rhapsody and suite. The performing means used by the composer in the implementation of the program idea of the work are also of research interest. The methodology of this study was made up of holistic and comparative approaches to the study of a musical composition. The novelty of the article lies in the fact that the study generalizes and concretizes the features of form formation in the work, which contributes to the study of the composer's creative method, the study of his peculiarities of working with cyclic forms. In the course of the study, the author comes to the conclusion that in M. Ravel's "Spanish Rhapsody" the features of directly rhapsody are reflected, expressed as a comparison of contrasting folklore layers in a single whole, features of suite, expressed in a generalized interpretation of Spanish imagery on the one hand and the composer's appeal to the genre models of a baroque dance suite, on the other. In addition, the suite principle in the structure of the form of the work is embodied in a specific impressionistic refraction of the genre features of Spanish dance folklore in each of the parts of the form. The obtained results of the work will contribute to the conscious interpretation of M. Ravel's "Spanish Rhapsody" arranged for two pianos from the point of view of the principles and laws of shaping and pianistic means of impressionistic expressiveness in the expression of Spanish images in music.

Keywords: programming, habanera, malagenia, spanish dancing, musical impressionism, spanish folklore, suite, rhapsody, Maurice Ravel, Ravel 's Spanish Rhapsody

Аннотация: В статье излагаются два направления постижения экзистенциального феномена музыкального искусства (катафатическое и апофатическое) на протяжении истории культуры в рамках христианско-европоцентристской традиции. Основа методологического исследования включает в себя христианско-идеалистические и христианско-антропологические положения. Данные положения объективного идеализма содержат в себе часть Замысла Творца в претворении своего Образа. Изложение основных тенденций представлено в контрастном соотношении, что характерно для музыкально-композиционного мышления. Дискурс проблемы выражается в катафатическо-проповеднической форме. В процессе рассмотрения данного феномена был применен метод синтеза представлений о музыке в качестве отражения человеческого бытия таких отечественных мыслителей как А. С. Клюев, А. Ф. Лосев, В. В. Медушевский, М. О. Орлов, О. В. Леонтьева так и зарубежных философов Р. Ингарден, А. Шопенгауэр, Ф. Ингланд, Д. Тёрнер. Автор совершает попытку обновить музыкальный дискурс с позиции европоцентричных христианских традиций, за счет включения в него языка теологии. Исследование в заданном русле обнажает глубинные основания музыкального творчества, которые пробуждают интерес к социальному значению мастера-творца, нивелированное постиндустриальным обществом. Научная новизна исследования содержится в выборе источников, которые раскрывают европейское понимание экзистенциональной сущности музыкального искусства как исторически сформировавшейся части музыковедческого дискурса. По результатам исследования можно сделать выводы о том, что в отличие от других видов искусств музыка остается непримиримо стойкой к различным формам оценки и перефразирования, объяснению и описанию. Сущность человеческого бытия полностью находит отражение в музыкальном искусстве.

Ключевые слова: музыкальное искусство, внутренний конфликт, человеческое бытие, исповедальность, пространство, время, трансцендентность, дискурс, катафатизм, апофатизм

Abstract: The article outlines two directions of comprehension of the existential phenomenon of musical art (cataphatic and apophatic) throughout the history of culture within the framework of the Christian-Eurocentric tradition. The basis of methodological research includes Christian-idealistic and Christian-anthropological positions. These provisions of objective idealism contain a part of the Creator's Plan in the realization of his Image. The presentation of the main trends is presented in a contrasting ratio, which is characteristic of musical compositional thinking. The discourse of the problem is expressed in a cataphatic-preaching form. In the process of considering this phenomenon, the method of synthesis of ideas about music was applied as a reflection of the human being of such domestic thinkers as A. S. Klyuev, A. F. Losev, V. V. Medushevsky, M.O. Orlov, O.V. Leontieva and foreign philosophers R. Ingarden, A. Schopenhauer, F. England, D. Turner. The author makes an attempt to update the musical discourse from the perspective of Eurocentric Christian traditions by including the language of theology in it. Research in a given direction reveals the deep foundations of musical creativity, which arouse interest in the social significance of the master creator, leveled by post-industrial society. The scientific novelty of the research is contained in the choice of sources that reveal the European understanding of the existential essence of musical art as a historically formed part of the musicological discourse. According to the results of the study, it can be concluded that, unlike other types of art, music remains irreconcilably resistant to various forms of evaluation and paraphrasing, explanation and description. The essence of human existence is fully reflected in the musical art.

Keywords: cataphatism, discourse, transcendence, time, space, confession, human being, internal conflict, musical art, apophaticism

Аннотация: В статье анализируются различные аспекты роли женщины в обществе и культуре Китая конца XX начала XXI вв., особое место занимает анализ семейных отношений, образования и художественного творчества женщин. Предметом исследования являются женщины, трансформация их статуса в обществе и культуре, в частности, в современном живописном искусстве Китая. Подчеркивается, что в конце XX в. происходит переоценка ценностей, изменяется мотивация молодежи в семейной сфере, утрачивается традиционная значимость семьи из-за государственного регулирования семейных отношений. Использовались сравнительно-исторический и иконографический методы исследования, опирающиеся на культурологические, философские и искусствоведческие научные материалы. Актуальность темы обусловлена возросшим интересом к культуре Китая и меняющимся отношением к женщине в обществе и культуре. Новизна исследования заключается в попытке проследить влияние модернизации на статус китайской женщины, с учетом доступности высшего образования, гендерного дисбаланса в обществе и культуре. Сделан вывод, что получение высшего образования, развитие карьеры, личной свободы, участие в бизнесе, в общественно-политической и культурной жизни общества, становится для женщины приоритетом, ставя брак и семейные ценности под угрозу. Выявлено, что негативное влияние массовой культуры ведет к упадку нравов, психологическим нарушениям, социальному инфантилизму. В современном искусстве китайские женщины-художницы используют нетрадиционные художественные приемы для выражения своего «Я» в живописи, однако новаторские приемы самовыражения менее признаваемы, чем у мужчин-художников, также как и отстаивание своей точки зрения и философии. Переплетение культурного наследия и современных ценностей сформировали путь развития китайского женского искусства.

Ключевые слова: конфуцианство, женская живопись, модернизация, образование, культура, общественный статус, современное искусство, гендерный дисбаланс, социальные противоречия, семейные ценности

Abstract: The author analyzes various aspects of the role of women in the society and culture of China of the late XX-early XXI centuries, a special place is occupied by the analysis of family relations, education and artistic creativity of women. The subject of the study is women, the transformation of their status in society and culture, in particular, in the modern pictorial art of China. It is emphasized that at the end of the XX century there is a reassessment of values, the motivation of young people in the family sphere changes, the traditional importance of the family is lost due to state regulation of family relations. Comparative historical and iconographic research methods based on culturological, philosophical and art-historical scientific materials were used. The relevance of the topic is due to the increased interest in Chinese culture and the changing attitude towards women in society and culture. The novelty of the study is an attempt to trace the impact of modernization on the status of Chinese women, taking into account the availability of higher education, gender imbalance in society and culture. It is concluded that obtaining higher education, career development, personal freedom, participation in business, in the socio-political and cultural life of society, becomes a priority for a woman, putting marriage and family values at risk. It is revealed that the negative influence of mass culture leads to the decline of morals, psychological disorders, social infantilism. In contemporary art, Chinese female artists use unconventional artistic techniques to express their "I" in painting, but innovative methods of self-expression are less recognized than those of male artists, as well as defending their point of view and philosophy. The intertwining of cultural heritage and modern values have shaped the path of development of Chinese women's art.

Keywords: gender imbalance, contemporary art, social status, culture, education, modernization, social contradictions, women's painting, Confucianism, family values

Аннотация: Хэнаньский музей является одним из первых музеев Китая, в условиях непрерывного развития технологий большинство музейных пространств требуют современного дизайна. В сегодняшней быстро развивающейся среде музейных брендов для данного музея необходим современный дизайн. Данная работа посвящена разработке новой концепции дизайна музейного пространства Хэнань, зала музыкальных инструментов Великого Шелкового пути, в целях разработки рекомендаций для дальнейшего продвижения бренда в области туристической привлекательности и развития местной экономики. Объектом исследования является музей провинции Хэнань, Китай, предметом является влияние бренда музея на популяризацию древнекитайской культуры. Приведен анализ некоторых азиатских музеев, описаны этапы становления музея, разработаны элементы ребрендинга: логотип, буклет, плакат, сайт, рекламная продукция музея. Предложена концепция дизайна помещения выставочного зала «Музыкальные инструменты Великого Шелкового пути», сделаны визуализации и создан видео облёт помещения зала, с наглядным представлением экспонатов для дистанционного доступа и просмотра. Был использован ситуационный подход к организации среды при разработке дизайна музейного пространства. Научная новизна и теоретическая значимость исследования заключается в ребрендинге музея культуры, в разработке новой концепции оформления выставочного зала музейного пространства Хэнаньского музея. Обсуждены некоторые современные тенденции развития дизайна музейного пространства на примере отечественных и зарубежных музеев.

Ключевые слова: музей, история музея, этапы становления, дизайн концепция, музейное пространство, бренд музея, логотип, буклет, компьютерная модель, визуализация

Abstract: The Henan Museum is one of the first museums in China which requires modernization of its design. This work is devoted to the development of a new design concept for the Henan Museum space, the hall of musical instruments of the Great Silk Road, in order to develop recommendations for further brand promotion in the field of tourist attractiveness and the development of the local economy. The object of the study is the museum of Henan Province, China, the subject is the influence of the museum brand on the popularization of ancient Chinese culture. The analysis of some Asian museums is given, the stages of the museum's formation are described, the elements of rebranding are developed: logo, booklet, poster, website, advertising products of the museum. The concept of the design of the exhibition hall "Musical Instruments of the Great Silk Road" was proposed, visualizations were made and a video flight of the hall was created, with a visual representation of the exhibits for remote access and viewing. A situational approach to the organization of the environment was used when developing the design of the museum space. The scientific novelty and theoretical significance of the research lies in the rebranding of the Museum of Culture, in the development of a new concept for the design of the exhibition hall of the museum space of the Henan Museum. Some modern trends in the development of museum space design on the example of domestic and foreign museums are discussed.

Keywords: rendering, computer model, booklet, logo, museum space, history of the museum, stages of formation, the brand of the museum, design concept, the museum

Аннотация: Значение и художественные результаты дальневосточных керамических производств, запущенных во второй половине XX века и ликвидированных в начале XXI века, а также творчество работавших на них мастеров и художников в настоящее время изучены недостаточно. В Приморском крае это во многом связано с общим упадком отрасли, сложностью сбора первичной информации, отсутствием достоверных данных, проблемой атрибуции изделий и т.д. Предметом исследования является деятельность мастеров-художников, работавших на заводе художественной керамики города Спасск-Дальний Приморского края. Исследование проведено с использованием комплекса теоретических и эмпирических методов, включающих сравнительно-исторический, биографический, формально-стилистический, а также методов интервью и включенного наблюдения, позволивших выявить ключевые фигуры мастеров, повлиявших на формирование собственного уникального стиля, характерного для этого завода. В результате исследования установлено, что формирование творческого коллектива осуществлялось как из приезжих специалистов, имеющих профильное образование, так и из местных художников. В числе наиболее значимых мастеров Спасского завода художественной керамики - Е. Е. Скурихин, А. И. Горнич, С. В. Данилюк, З. Х. Желандинова. В. А. Лавренова, А. А. Лупей, Н. Б. Овчинникова, Л. Ю. Скрынникова, О. Тимофеева. Эти художники внесли значительный вклад в совершенствование технологий формования и декора утилитарных и высокохудожественных изделий. Результаты деятельности мастеров-керамистов привели к значительной эволюции форм и видов декора изделий Спасского завода художественной керамики, создав собственный стиль, основанный на этническом и региональном колорите. Представленные сведения могут быть применены для атрибуции керамических изделий, изучения специфики авторской художественной керамики XX – XXI веков, формирования общей картины эволюции российского декоративно-прикладного искусства.

Ключевые слова: художественный стиль предприятия, керамическое производство, Спасский керамический завод, Приморский край, Спасск-Дальний, художественная керамика Приморья, региональная стилистика керамики, техники декорирования керамики, декоративное искусство, художник-керамист

Abstract: The significance and artistic results of the Far Eastern ceramic productions launched in the second half of the XX century and liquidated at the beginning of the XXI century, as well as the creativity of the masters and artists who worked for them, are currently insufficiently studied In the Primorsky Territory, this is largely due to the general decline of the industry, the complexity of collecting primary information, the lack of reliable data, the problem of attribution of products etc. The subject of the study is the activity of master artists who worked at the art ceramics factory in the city of Spassk-Dalny, Primorsky Krai. The research was carried out using a set of theoretical and empirical methods, including comparative-historical, biographical, formal-stylistic, as well as interview methods and included observation, which allowed to identify the key figures of the masters who influenced the formation of their own unique style characteristic of this plant. As a result of the study, it was found that the formation of the creative team was carried out both from visiting specialists with specialized education and from local artists. Among the most significant masters of the Spassky Art Ceramics Factory are E. E. Skurikhin, A. I. Gornich, S. V. Danilyuk, Z. H. Zhelandinova, V. A. Lavrenova, A. A. Lupey, N. B. Ovchinnikova, L. Y. Skrynnikova, O. Timofeeva. These artists have made a significant contribution to the improvement of molding technologies and decoration of utilitarian and highly artistic products. The results of the activity of master ceramists led to a significant evolution of the forms and types of decoration of the products of the Spassky Art Ceramics Factory, creating their own style based on ethnic and regional flavor. The presented information can be used for attribution of ceramic products, studying the specifics of the author's artistic ceramics of the XX – XXI centuries, forming a general picture of the evolution of Russian decorative and applied art.

Keywords: ceramic decoration techniques, ceramic artist, the artistic style of the enterprise, ceramic production, Spassk-Dalny, Spassky Ceramic Factory, Primorsky Krai, artistic ceramics of Primorye, regional style of ceramics, decorative art