Аннотация: Объектом исследования является современный китайский анимационный дизайн и его эволюция на протяжении последних 70 лет. Предметом исследования выступает потенциал реинтерпретации традиционных культурных коннотаций китайского теневого театра в современном анимационном дизайне. Синтез канонических принципов теневого театра с современными анимационными технологиями усиливает выразительность мультфильмов и их способность транслировать философско-этические, художественные и технологические ценности. Теоретический анализ проблемы и практическая разработка автором новаторских методов анимационного дизайна с использованием цифровых технологий открывают новые перспективы для сохранения культурного наследия и поиска путей инновационного развития традиционной культуры. Рыночный потенциал переосмысления традиционных культурных элементов в современном анимационном дизайне обеспечивает коммерциализацию культурных продуктов, способствует развитию культурных индустрий и межкультурного взаимодействия.  В статье применяется комплексная методология культурологии, искусствознания и компьютерных технологий для анализа процессов переосмысления традиций теневого кукольного театра в современном китайском анимационном дизайне. Методы сравнительного исследования, экспериментального проектирования, обмена мнениями с экспертами помогают оценить репрезентативные произведения современной анимации с точки зрения визуального стиля, структуры повествования и культурного нарратива. Автор доказывает, что встречные процессы обогащения современной анимации философскими идеями и этическими императивами традиционной китайской культуры, с одной стороны, и ребрендинга традиционной культуры посредством анимационного кино, – с другой, способствуют сохранению культурной идентичности китайских анимационных фильмов и повышению их конкурентоспособности на мировом рынке. Бережная реинтерпретация культурных коннотаций позволяет анимационному кино сохранять и пропагандировать в образной форме такие традиционные добродетели, как верность, сыновняя почтительность, храбрость. На художественном уровне китайский анимационный дизайн опирается на эстетику традиционного искусства, классику живописи и каллиграфии, юмористическое преподнесение сюжетов, объединяя их в неповторимый визуальный стиль. Новейшие технологии (трехмерная анимация, захват движения, создание спецэффектов и другие) обогащают анимационный дизайн и открывают новые пути для современной интерпретации традиционной культуры Китая.

Ключевые слова: моральные императивы, теневой театр, культурное наследие, анимационный дизайн, трехмерная анимация, культурные коннотации, традиционная культура, Китай, цифровые технологии, захват движения

Abstract: The object of the research is modern Chinese animation design and its evolution over the past 70 years. The subject of the research is the potential for rethinking traditional cultural connotations of Chinese shadow theater in modern animation design. The synthesis of the canonical principles of shadow theater with modern animation technologies enhances the expressiveness of cartoons and their ability to convey philosophical, ethical, artistic and technological values. The theoretical analysis of the problem and the practical development of innovative methods of animation design by the author using digital technologies open up new prospects for preserving cultural heritage and finding ways of innovative development of traditional culture. The article uses a comprehensive methodology of cultural studies, art history and computer technology to analyze the processes of rethinking the traditions of shadow puppet theater in modern Chinese animation design. The methods of comparative research, experimental design and expert exchange help to evaluate representative works of contemporary animation in terms of visual style, narrative structure and cultural narrative. The author argues that the processes of enriching contemporary animation with philosophical ideas and ethical imperatives of traditional Chinese culture on the one hand and rebranding traditional culture through animation on the other hand help to preserve the cultural identity of Chinese animated films and enhance their competitiveness in the global market. Careful reinterpretation of cultural connotations enables animated films to preserve and promote traditional virtues such as loyalty, filial piety and courage in figurative form. On the artistic level, Chinese animation design draws on the aesthetics of traditional art, classical painting and calligraphy, and humorous storytelling, combining them into a unique visual style. The latest technologies enrich animation design and open up new possibilities for a modern interpretation of traditional Chinese culture.

Keywords: China, digital technology, moral imperatives, shadow play, cultural heritage, animation design, three-dimensional animation, culture connotation, tradition culture, motion capture

Аннотация: В творчестве польского сценографа Анджея Пронашко оригинальным образом отразились характерные для польского и европейского театра первой половины XX в. процессы переосмысления проблемы организации сценического пространства. Пронашко много работал с профессиональными архитекторами, и это отразилось на его концепции сценического пространства. В статье представлены проекты художника, в которых он пытался реализовать свою концепцию сценического пространства, адресованную «театру будущего»: архитектоническая сценография для спектакля «Голем» (1928), поставленного на арене варшавского цирка и архитектурно-театральные проекты Симультанный театр (1928-1929) и Передвижной театр (1934). Каждый из них выполнен совместно с архитектором (с Шимоном Сыркусом в первых двух случаях и Стефаном Брылой – в третьем). В польском театре между двумя мировыми войнами сценография явилась особой областью авангардистского активизма, манифестирующего возникновение «театра будущего», который обещает некий исключительный перцептивный опыт. Рассмотренные архитектурно-театральные проекты польского сценографа связаны с выходом за границы привычного театра и использованием современных технических достижений в области организации сцены, освещения и звукоинженерии. Они стали попыткой радикально изменить характер театрального события на уровне архитектоники пространства и расширить тем самым возможности театра в работе с динамикой представления. Так художник создавал новые условия для воздействия на восприятие зрителя.

Ключевые слова: сценическое пространство, театральная архитектура, Анджей Пронашко, театральный авангард, симультаный театр, передвижной театр, театр будущего, архитектоника театрального пространства, сценография, польский театр

Abstract: The work of Polish stage designer Andrzej Pronaszko embodied in a particular manner a certain turn to a new approach to the organization of stage space, which appeared to be a characteristic process for the Polish and European theatre of the first half of XX century. Pronaszko cooperated intensively with professional architects, which had a considerable effect upon his conception of stage space. The article reviews projects of the artist, which proved to be a realization of his conception of stage space referred to the „theatre of the future”: the stage design for the „Golem” play (1928), set up on the circus arena and the theatrical architectural projects of Simultaneous theatre (1928-1929) and the Mobile theatre (1934). Each of those three was created in cooperation with an architect (with Szymon Syrkus in the first two cases and with Stefan Bryła in the third one). In Polish theatre between two World Wars, scenography came out as a special domain of an avant-garde activism manifesting an uprise of the „theatre of the future”, which offered prospects of some extraordinary perceptional experience. The reviewed projects presuppose overrunning the boundaries of conventional theatre and using innovative engineering solutions in stage organization, lightning and sound engineering. They became an ambitious attempt to change drastically the mode of theatrical event at the level of the space architectonics and extend thereby theatre’s capabilities in dealing with dynamics of spectacle. The artist created new conditions for affecting the spectator’s comprehension of the stage performance.

Keywords: architectonics of stage space, theatre of the future, mobile theatre, simultaneous theatre, theatrical avant-garde, Andrzej Pronaszko, theatrical architecture, stage space, scenography, Polish theatre

Аннотация: В статье исследуется древняя и уникальная культура маски, анализируются особенности ее восприятия, понимания и интерпретации в разных театральных традициях Запада и Востока (древнегреческая трагедия, комедия дель арте, китайский театр «но-си», пекинская опера и т.д.). Особое внимание уделяется тому, как истолковывают и применяют маску, исходя из традиции, для создания и усиления сценических эффектов и углубления содержательной символики в современных спектаклях. Актуальность данной работы заключается в типологии и классификации общих и отличительных характеристик схожих, но при этом уникальных артефактов различных театральных культур Востока и Запада на примере использования масок в постановках в прошлом и настоящем. Обращение к данной теме может способствовать налаживанию межкультурные связи, облегчению межкультурной коммуникации и снижению градуса цивилизационных противоречий в условиях многополярного мира. Научная новизна исследования заключается в результатах обработки оригинальной подборки тематических исследований, научных публикаций и литературных источников. Цель исследования состоит в поисках особенностей восприятии и понимании масок в различных театральных системах. Для достижения указанной установки анализируется история масок в разных странах, их семантика, в частности сравнивается древнекитайская термальная культура и древнегреческий театр, а также итальянская комедия дель арте. В заключение отметим, что в разных театральных системах маска имеет уникальную символику и способы применения. Так, она обнаруживает сложную и противоречивую человеческую природу, выявляет неизвестность и страх людей перед действительностью, воплощает и выражает эмоции, обеспечивает ритм и остроту развития драмы, углубляет смысл происходящих событий.

Ключевые слова: маска, символ, театр, но-си, античная драматургия, комедия дель арте, драматерапия, пекинская опера, спектакль, китайский

Abstract: The article examines the ancient and unique culture of the mask, analyzes the features of its perception, understanding and interpretation in different theatrical traditions of the West and East (ancient Greek tragedy, comedy dell'arte, Chinese no-si theater, Peking opera, etc.). Particular attention is paid to how the mask is interpreted and used, based on tradition, to create and enhance stage effects and deepen meaningful symbolism in modern performances. The relevance of this work lies in the typology and classification of common and distinctive characteristics of similar, but at the same time unique artifacts of various theatrical cultures of the East and West on the example of the use of masks in productions in the past and present. Addressing this topic can help to establish intercultural ties, facilitate intercultural communication and reduce the degree of civilizational contradictions in a multipolar world. The scientific novelty of the study lies in the results of processing the original selection of case studies, scientific publications and literary sources. The purpose of the study is to search for the features of the perception and understanding of masks in various theatrical systems. To achieve this attitude, the history of masks in different countries, their semantics are analyzed, in particular, the ancient Chinese thermal culture and the ancient Greek theater, as well as the Italian comedy dell'arte are compared. In conclusion, we note that in different theatrical systems, the mask has unique symbols and uses. Thus, it reveals the complex and contradictory human nature, reveals the unknown and people's fear of reality, embodies and expresses emotions, provides the rhythm and sharpness of the development of the drama, deepens the meaning of ongoing events.

Keywords: Chinese, performance, Peking Opera, drama therapy, Comedy del arte, classical dramaturgy, No Xi, theatre, symbolic meaning, mask

Аннотация: В статье освещается история становления и основные этапы деятельности Вьетнамской Академии танца, за которой закрепилась репутация ведущей национальной хореографической школы Вьетнама. В контексте историко-культурного процесса показано, как во времени и в соответствии с изменениями приоритетов государственной культурной политики менялись задачи деятельности школы и её статус. В развитии образовательного учреждения выделяется три этапа. В соответствии с духом времени школа претерпевала изменения, была преобразована во Вьетнамский колледж танца, затем во Вьетнамскую Академию танца. Начальный период деятельности школы связан с процессом профессионализации хореографического искусства и институализацией национального балета. Переходным стал этап преобразования школы во Вьетнамский танцевальный колледж, когда наращивался потенциал, обеспечивший в дальнейшем переход к Академии, занявшейся подготовкой на уровне среднего и высшего образования высокопрофессиональных кадров. Показано значение советской системы интегративного хореографического образования на начальном этапе. Впервые освещается вопрос личного вклада советских педагогов Я.Е. Брунак и Х.Ф. Мустаева в становление вьетнамской системы профессионального хореографического образования. На основе сочетания общенаучных и специальных методов, в том числе хронологического, типологического, историографического методов, методов сравнительного и источниковедческого анализа установлены и вводятся в научный оборот новые факты по истории становления и развития системы хореографического образования Вьетнама. Освещаются учебно-методическая, научная и международная деятельность Академии на современном этапе. Автор касается проблем современного развития и перспектив развития в ближайшем будущем. Делается вывод о том, что Вьетнамская школа танца является первым в истории Вьетнама учебным заведением, осуществляющим профессиональную подготовку кадров для ранее не существующего во Вьетнаме вида сценического искусства балета. Подчеркивается неизменность миссии Академии, заключенной в сохранении и развитии лучших традиций вьетнамского танцевального искусства.

Ключевые слова: хореографическое искусство, профессионализация танцевального искусства, хореографическое профессиональное образование, Вьетнамская школа танца, Вьетнамский колледж танца, Вьетнамская Академия танца, народный танец, европейский классический танец, современный западный танец, балет

Abstract: The article highlights the history of the formation and the main stages of the activity of the Vietnamese Dance Academy, which has secured the reputation of the leading national choreographic school of Vietnam. In the context of the historical and cultural process, it is shown how the tasks of the school's activities and its status changed over time and in accordance with changes in the priorities of the state cultural policy. There are three stages in the development of an educational institution. In accordance with the spirit of the times, the school underwent changes, was transformed into the Vietnamese College of Dance, then into the Vietnamese Academy of Dance. The initial period of the school's activity is associated with the process of professionalization of choreographic art and the institutionalization of the national ballet. The transitional stage was the transformation of the school into a Vietnamese dance College, when the potential was being built up, which later ensured the transition to an Academy engaged in training highly professional personnel at the level of secondary and higher education. The importance of the Soviet system of integrative choreographic education at the initial stage is shown. For the first time, the question of the personal contribution of Soviet teachers Y.E. Brunak and H.F. Mustaev to the formation of the Vietnamese system of professional choreographic education is highlighted. On the basis of a combination of general scientific and special methods, including chronological, typological, historiographical methods, methods of comparative and source analysis, new facts on the history of the formation and development of the choreographic education system of Vietnam are established and introduced into scientific circulation. The educational, methodological, scientific and international directions of the Academy's activities at the present stage are highlighted. The author deals with the problems of modern development and prospects for development in the near future. It is concluded that the Vietnamese Dance School is the first educational institution in the history of Vietnam that provides professional training for a previously non-existent type of ballet performing art in Vietnam.

Keywords: folk dance, Vietnamese Dance Academy, Vietnamese Dance College, Vietnamese Dance School, choreographic professional education, professionalization of dance art, choreographic art, european classical dance, modern western dance, ballet

Аннотация: Автором статьи впервые рассмотрен комплекс тем христианской духовности в произведениях П. Клоделя, А. Онеггера и О. Мессиана, созданных для французского синтетического театра ХХ века и раскрывающих актуальный смысл истолкования проблем святости и христианского поведения человека. Это темы христианкой любви и жертвоприношения Христу, духовно-нравственных свершений святых на пути к Богу, исцеления страждущих и воскрешения мертвых, невидимых небесных сил — «голоса неба», тема хвалы творениям. Новые пластические формы сценического движения и танца определены автором статьи как неотъемлемые элементы французских произведений для музыкального театра, запечатлевшие новые методы организации сценического пространства. Обнаружены результаты рецепции визуальных формул из живописных произведений XIII и XV веков. Научной новизной отличаются результаты проведенного исследования. В произведениях французского синтетического театра ХХ века функционирует комплекс тем христианской духовности, раскрывающих актуальный смысл истолкования проблемы святости и нравственного поведения человека. Особые пластические формы, подчиненные законам танца, сформировали концепцию «танцующей формы» во французских музыкально-театральных произведениях ХХ века. «Танцующие формы» запечатлели новые методы организации сценического пространства. В синтетических музыкально-театральных произведениях представлена игра формы, пропорций, света, цвета. Рецепция французскими драматургами и музыкантами ХХ века визуальных формул живописи XIII и XV веков привела к расширению диапазона взаимодействующих элементов различных искусств (драма, музыка, живопись, танец, сценическое движение, свето-цветовая сфера) в музыкально-театральных произведениях ХХ века. Визуальные формулы определили новое отношение к фундаментальным ценностям христианства в ХХ веке. Произведения П. Клоделя, А. Онеггера и О. Мессиана на музыкаль-но-театральной сцене выполняют значимые функции, обнаруживая как «мыслящее отношение к прошлому», так и «опосредование с современной жизнью» (Х.-Г. Гадамер).

Ключевые слова: христианство, духовность, пластика, танец, Джотто, Чимабуэ, Фра Анджелико, опера, мистерия, святые

Abstract: For the first time, the author of this article considered a set of themes related to Christian spirituality in the works by P. Claudel, A. Honegger and O. Messiaen which were created for the XXth century French synthetic theater and offered a new reading into the holiness and Christian behavior. New plastic forms of stage movement and dance, which depicted modern ways of organizing stage space, have been defined as an integral part of French works for musical theatre. What has also been found is the results of perceiving visual formulas in some of the XIIIth and XVth cenury paintings. Special plastic forms, which are subject to the laws of dance, shaped about a concept of "dancing form" in the XXth century French musical and theatrical works. In synthetic musical and theatrical works, a game of form, proportions, light and color was designed. Some XXth century French playwrights and musicians perceiving visual formulas in the XIIIth and XVth century paintings led to expanding the range of interacting elements pertaining to various arts in several musical and theatrical works. Those by P. Claudel, A. Honegger and O. Messiaen play a significant role on the stage and reveal both a “considerate attitude towards the past” and “mediation with modern life”, as H. G. Gadamer said.

Keywords: opera, Fra Angelico, Cimabue, Giotto, dance, plasticity, spirituality, Christianity, mystery play, the saints

Аннотация: Анализ становления античного театра автор связывает с формированием в древней Греции искусства, театральной коммуникации (в том числе, позиций автора, артиста и зрителя), театра как особого пространства, осознанием искусства и природы древнегреческой драмы в «Поэтике» Аристотеля. В культуре нового времени античный канон театра устанавливается заново, поскольку древнегреческие произведения переосмысляются с точки зрения отношения к средневековому наследию и социальной реальности становящегося нового времени. Новая социокультурная ситуация предопределила три важные следствия для театра: во-первых, кардинально изменяется содержание историй, которые пишут драматурги, во-вторых, меняется зритель, в-третьих, начинается бурный рост театров в складывающихся национальных государствах.    Эти новации иллюстрируются на примере французский театр времен Людовика XIV и Расина. Во второй половине XIX, начале XX столетия складывается режиссерский театр. Режиссер рассматривает артиста как одно из «выразительных средств» наряду с другими (музыкой, декорациями, театральной одеждой, символикой и пр.). Автор выдвигает предположение, что на режиссерский театр оказала влияние рефлексия музыки. В режиссерском театре артист не исчезает, как утверждает Кугель, а напротив, он создает напряженное поле смыслов, общения и действий; пока артист на сцене сохраняется исходное, идущее ее от архаических времен и религии, общение зрителей и творцов произведений искусства. Проблемы, встающие в режиссерском театре, обсуждаются на примере театральной постановки «Евгений Онегин», которую осуществил Римас Туминас. В заключении обсуждается документальный театр и театр соучастия. В обоих случаях театр остается театром: спектакль держится за счет игры актеров, создается второй, полноценный мир художественной реальности, хотя зрители принимают участие в конституировании происходящего, они, тем не менее, одновременно остаются зрителями, наблюдая и переживая возникающие с их участием события.

Ключевые слова: театр, зритель, автор, режиссер, постановка, искусство, художественная реальность, понимание, текст, интерпретация

Abstract: The author connects the analysis of the formation of the ancient theater with the formation of art in ancient Greece, theatrical communication (including the positions of the author, artist and viewer), theater as a special space, awareness of the art and nature of ancient Greek drama in the "Poetics" of Aristotle. In the culture of modern times, the ancient canon of the theater is being established anew, since ancient Greek works are being reinterpreted from the point of view of the relationship to the medieval heritage and the social reality of the emerging new time. The new socio-cultural situation has predetermined three important consequences for the theater: firstly, the content of the stories written by playwrights is radically changing, secondly, the audience is changing, and thirdly, the rapid growth of theaters in emerging national states begins. These innovations are illustrated by the example of the French theater of the times of Louis XIV and Racine. In the second half of the XIX, the beginning of the XX century, the director's theater was formed. The director considers the artist as one of the "expressive means" along with others (music, scenery, theatrical clothing, symbols, etc.). The author suggests that the director's theater was influenced by the reflection of music. In the director's theater, the artist does not disappear, as Kugel claims, but on the contrary, he creates a tense field of meanings, communication and actions; while the artist on stage retains the original, coming from archaic times and religion, communication between the audience and the creators of works of art. The problems that arise in the director's theater are discussed on the example of the theatrical production "Eugene Onegin", which was carried out by Rimas Tuminas. In conclusion, the documentary theater and the theater of complicity are discussed. In both cases, the theater remains a theater: the performance is maintained by the actors' play, a second, full-fledged world of artistic reality is created, although the audience takes part in the constitution of what is happening, they, nevertheless, remain spectators at the same time, observing and experiencing events arising with their participation.

Keywords: text, understanding, artistic reality, art, performance, director, author, viewer, theatre, interpretation

Аннотация: В настоящей работе автор продолжает изучение и осмысление авторской трактовки Дж. Ноймайером образов главных героев балета «Сон в летнюю ночь». Проводится содержательное истолкование хореографического воплощения Ипполиты и Тезея – одной из двух ипостасей главных героев балета, с целью выявления их особенностей в контексте спектакля и творчества хореографа. Основываясь на методах балетоведческого анализа, утвержденных историками и теоретиками балета Добровольской, Красовской, Суриц, автор применял сравнительно-исторический, идейно-художественный и аналитический методы, а также метод включенного наблюдения (основанный на личном опыте работы с Ноймайером). В ходе источниковедческого анализа автором были использованы видеоматериалы из архивов гамбургского «Ballettzentrum» и московского Большого театра. Проведенный детальный анализ хореографической партитуры партий Ипполиты и Тезея позволяет сделать вывод, что основными фрагментами, характеризующими этих героев, Ноймайер делает два развернутых дуэта, отличных между собой. В первом из них хореограф использует насыщенную дуэтную технику: верхние поддержки без подходов (часто начинаемые с позиций на коленях), нестандартные комбинации парных вращений – элементы, определяющие дальнейшую линию развития его хореографического стиля. Композиция и средства хореографической выразительности второго дуэта скорее нетипичны для творчества Ноймайера. Здесь балетмейстер позами и техничными сольными фрагментами танцовщиков намекает на схожесть с балетами классического наследия, с помощью чего подчеркивает парадность и церемонную торжественность этого дуэта. Также в нем используется такой дополнительный атрибут, как шлейф, придающий движениям балерины еще большую весомость и царственность. Таким образом, хореографическая разработка образов Ипполиты и Тезея занимает одну из ключевых позиций (наряду с Титанией и Обероном) в спектакле «Сон в летнюю ночь», а также становится важным этапом в эволюции авторского стиля Дж. Ноймайера.

Ключевые слова: Джон Ноймайер, Сон летнюю ночь, Многоактный балет, Уильям Шекспир, Хореографическая интерпретация, Литературный сюжет, Ипполита, Тезей, Феликс Мендельсон, Дьёрдь Лигети

Abstract: In this paper, the author continues to study and comprehend the author's interpretation of J. Neumeier images of the main characters of the ballet "A Midsummer Night's Dream". A meaningful interpretation of the choreographic embodiment of Hippolyta and Theseus, one of the two hypostases of the main characters of the ballet, is carried out in order to identify their features in the context of the performance and the choreographer's creativity. Based on the methods of ballet studies analysis approved by historians and ballet theorists Dobrovolskaya, Krasovskaya, Surits, the author used comparative-historical, ideological-artistic and analytical methods, as well as the method of included observation (based on personal experience with Neumeier). In the course of the source analysis, the author used video materials from the archives of the Hamburg "Ballettzentrum" and the Moscow Bolshoi Theater. A detailed analysis of the choreographic score of the roles of Hippolyta and Theseus allows us to conclude that Neumeier makes two detailed duets that differ from each other as the main fragments characterizing these characters. In the first of them, the choreographer uses a rich duet technique: upper supports without approaches (often starting from kneeling positions), non–standard combinations of paired rotations - elements that determine the further line of development of his choreographic style. The composition and means of choreographic expressiveness of the second duet are rather atypical for Neumeier's work. Here, the choreographer, with poses and technical solo fragments of the dancers, hints at the similarity with the ballets of the classical heritage, with the help of which he emphasizes the ceremonial and ceremonious solemnity of this duet. It also uses such an additional attribute as a train, which gives the ballerina's movements even more weight and royalty. Thus, the choreographic development of the images of Hippolyta and Theseus occupies one of the key positions (along with Titania and Oberon) in the play "A Midsummer Night's Dream", and also becomes an important stage in the evolution of the author's style of J. Neumeier.

Keywords: Gyorgy Ligeti, Felix Mendelssohn, Literary plot, Hippolyta, Theseus, Choreographic interpretation, William Shakespeare, Multi - act ballet, A midsummer night's dream, John Neumeier

Аннотация: В настоящей статье автор продолжает изучение хореографических трактовок литературных произведений в творчестве Дж. Ноймайера, в частности – балета «Дама с камелиями». Выявление выразительных постановочных средств и хореографических элементов, использованных Ноймайером при постановке «белого» дуэта Маргариты и Армана , проводится в данной работе с целью определения места этого хореографического фрагмента в спектакле и его значения как для пластического воплощения образов главных героев, так и в контексте эволюции авторского стиля балетмейстера. Автором в процессе исследования применялись сравнительно-исторический, идейно-художественный и аналитический методы, а также метод включенного наблюдения (основанный на личном опыте работы с Ноймайером). Также были использованы видеоматериалы из архивов гамбургского «Ballettzentrum» и московского Большого театра и лекции, проведенные Ноймайером в преддверии московской премьеры «Дамы с камелиями» (записи из архива автора). Проведенный детальный анализ «белого» дуэта позволяет сделать вывод, что изученный хореографический фрагмент заметно отличается от двух других дуэтов Маргариты и Армана. С точки зрения разработки образов главных героев, это единственный эпизод спектакля, в котором Ноймайер позволяет зрителям увидеть светлую лирику в отношениях Маргариты и Армана. В «белом» дуэте хореографические новаторства балетмейстера в области технически насыщенного дуэтного танца, изобилующего верхними поддержками, с отсутствием подготовки к ним и постоянным контролем партнером движений балерины, особенно оправданы. Они являются основным средством пластической выразительности, создающим эффект полетности, неразрывного потока движений, а также визуализацию музыкального legato. Именно такую дуэтную технику (впоследствии активно используемую балетмейстером) можно назвать отличительной чертой хореографического стиля Дж. Ноймайера.

Ключевые слова: Дуэт, Дама с камелиями, Хореографическая трактовка, Фредерик Шопен, Джон Ноймайер, Маргарита, Арман, Многоактный балет, Литературный сюжет, Александр Дюма

Abstract: In this article, the author continues to study the choreographic interpretations of the works of J. Neumeier, in particular, the ballet "Lady of the Camellias". The identification of expressive staging means and choreographic elements used by Neumeier in the production of the "white" duet of Marguerite and Armand is carried out in this work in order to determine the place of this choreographic fragment in the performance and its significance both for the plastic embodiment of the images of the main characters and in the context of the evolution of the author's style. The author applied comparative-historical, ideological-artistic and analytical methods, as well as the method of included observation (based on personal experience of working with Neumeier). Video materials from the archives of the Hamburg "Ballettzentrum" and the Moscow Bolshoi Theater and lectures conducted by Neumeier on the eve of the Moscow premiere of "Lady of the Camellias" (recordings from the author's archive) were also used. A detailed analysis of the "white" duet allows us to conclude that the studied choreographic fragment is markedly different from the other two duets of Marguerite and Arman. From the point of view of developing the images of the main characters, this is the only episode of the play in which Neumeier allows the audience to see the light lyrics in the relationship between Marguerite and Armand. In the "white" duet, the choreographic innovations of the choreographer in the field of technically saturated duet dance, replete with upper supports, with a lack of preparation for them and constant control by the partner of the ballerina's movements, are especially justified. They are the main means of plastic expressiveness, creating the effect of flight, an unbroken flow of movements, as well as the visualization of musical legato. It is this duet technique (later actively used by the choreographer) that can be called a distinctive feature of the choreographic style of J. Neumeier.

Keywords: Armand, Marguerite, John Neumeier, Frederic Chopin, Choreographic interpretation, Lady of the camellias, Duet, full-length ballet, Literature subject, Alexander Dumas

Аннотация: В настоящей статье проводится содержательное истолкование пластического решения хореографом Дж. Ноймайером образов Титании и Оберона с целью выявления их хореографических особенностей в контексте балета «Сон в летнюю ночь» и творчества балетмейстера вцелом. В процессе исследования автор применял сравнительно-исторический, идейно-художественный и аналитический методы. Теоретической базой исследования стали методы балетоведческого анализа, утвержденные историками балета Добровольской, Красовской, Суриц; методологической основой анализа хореографии стали работы балетмейстера и теоретика балета Лопухова. В ходе источниковедческого анализа автором использовались видеоматериалы из архивов гамбургского «Ballettzentrum» и московского Большого театра. Проведенный детальный анализ хореографический партитуры партий Титании и Оберона позволил выявить следующие авторские решения, относящиеся к новым результатам исследования. В первом дуэте Оберона и Титании Ноймайер формирует пластические лейтмотивы, получающие развитие в дальнейших появлениях героев. Хореограф использует подчеркнуто профильные, графичные и тщательно выстроенные в геометрический рисунок положения тел исполнителей, дополнительно акцентируя это облегающими костюмами; партии получают активное хореографическое развитие, основанное на технически насыщенном дуэтном танце, изобилующим высокими поддержками с акробатическими элементами, использующими экстремальную гибкость и растяжку балерины. Итак, при постановке проанализированных ролей Дж. Ноймайер использовал качественно новые, в том числе не традиционные пластические методы, которые явились знаковыми в контексте его постановки «Сна в летнюю ночь» и повлияли на дальнейшее становление хореографического стиля балетмейстера.

Ключевые слова: Джон Ноймайер, Сон летнюю ночь, многоактный балет, Уильям Шекспир, хореографическая интерпретация, литературный сюжет, Титания, Оберон, Феликс Мендельсон, Дьёрдь Лигети

Abstract: In this article, a meaningful interpretation of the plastic solution is carried out by choreographer J. Neumeier created images of Titania and Oberon in order to identify their choreographic features in the context of the ballet "A Midsummer Night's Dream" and the choreographer's work as a whole. In the course of the research, the author applied comparative-historical, ideological-artistic and analytical methods. The theoretical basis of the research was the methods of ballet analysis approved by the historians of the ballet Dobrovolskaya, Krasovskaya, Surits; the methodological basis for the analysis of choreography were the works of ballet master and ballet theorist Lopukhov. In the course of the source analysis, the author used video materials from the archives of the Hamburg "Ballettzentrum" and the Moscow Bolshoi Theater.A detailed analysis of the choreographic score of Titania and Oberon's parts made it possible to identify the following author's solutions related to the new research results. In the first duet of Oberon and Titania, Neumeier forms plastic leitmotifs, which are developed in further appearances of the characters. The choreographer uses emphatically profiled, graphic and carefully geometric positions of the performers' bodies, additionally accentuating this with tight-fitting costumes; the parties receive active choreographic development based on a technically saturated duet dance, replete with high supports with acrobatic elements using extreme flexibility and stretching of the ballerina. So, when setting the analyzed roles, J. Neumeier used qualitatively new, including non-traditional plastic methods, which were significant in the context of his production of A Midsummer Night's Dream and influenced the further formation of the choreographic style of the choreographer.

Keywords: Felix Mendelssohn, Oberon, Titania, literary plot, choreographic interpretation, William Shakespeare, multi - act ballet, A midsummer night's dream, John Neumeier, Gyorgy Ligeti

Аннотация: Предметом настоящей статьи является интерпретация Дж. Кранко образов Катарины и Петруччо в трех дуэтах балета «Укрощение строптивой», изучаемых в контекстуальном сопоставлении с оригинальным текстом – комедией У. Шекспира. Цель исследования – определить место трех дуэтов главных героев в спектакле Кранко, проведя идейно-образные параллели с текстом первоисточника, и выявить выразительные средства и хореографические элементы, примененные балетмейстером при их постановке. В качестве теоретической базы были использованы методы балетоведческого анализа, утвержденные историками балета Добровольской, Красовской, Суриц; методологической основой анализа хореографии стали работы хореографа и теоретика балетного искусства Лопухова. Среди других использованных источников – видеоматериалы из архивов Государственной оперы Штутгарта и Большого театра. Работа над статьей потребовала исторического подхода – привлечения материалов (видеокассет и рецензий) 1969 – 1996 гг.. Также применялись методы идейно-художественного анализа и семантического анализа хореографического построения дуэтов Катарины и Петруччо. Проведенный детальный семантический анализ хореографии и композиции дуэтов главных героев стал основным инструментом исследования. К новым результатам можно отнести выявление и сопоставление постановочных средств, разработанных и использованных хореографом. В первом дуэте это чередование синкопированных pas, акробатические элементы, движения на полу; во втором – пластические имитации забавных и неловких ситуаций; в третьем – технически насыщенное хореографическое развитие дуэтного танца (что соответствует трем фазам развития отношений героев: поединок, насмешки, гармония). Итак, модификацию образов и отношений главных героев Дж. Кранко заключает в три дуэта «Укрощения строптивой», делая их смыслообразующими фрагментами, формирующими концепцию балета, а также авторский взгляд на сюжет комедии У. Шекспира.

Ключевые слова: Укрощение строптивой, Джон Кранко, Доменико Скарлатти, Уильям Шекспир, комедия, Штутгартский балет, Катарина, Петруччо, Марсия Хайде, Ричард Крэган

Abstract: The subject of this article is the interpretation of J. Kranko images of Katarina and Petruchio in three duets of the ballet "The Taming of the Shrew", studied in contextual comparison with the original text – the comedy of W. Shakespeare. The purpose of the study is to determine the place of the three duets of the main characters in Kranko's performance, drawing ideological and figurative parallels with the text of the original source, and to identify expressive means and choreographic elements used by the choreographer in their production. The methods of ballet studies analysis approved by ballet historians Dobrovolskaya, Krasovskaya, Surits were used as a theoretical basis; the works of choreographer and ballet art theorist Lopukhov became the methodological basis for the analysis of choreography. Other sources used include video materials from the archives of the Stuttgart State Opera and the Bolshoi Theater. The work on the article required a historical approach – the involvement of materials (videotapes and reviews) from 1969 to 1996.. The methods of ideological and artistic analysis and semantic analysis of the choreographic construction of the duets of Katarina and Petruchio were also used. The detailed semantic analysis of the choreography and composition of the duets of the main characters has become the main research tool. The new results include the identification and comparison of staging tools developed and used by the choreographer. In the first duet it is an alternation of syncopated pas, acrobatic elements, movements on the floor; in the second – plastic imitations of funny and awkward situations; in the third – technically rich choreographic development of duet dance (which corresponds to the three phases of the development of the relationship of the heroes: duel, ridicule, harmony). So, the modification of the images and relationships of the main characters of J. Kranko concludes The Taming of the Shrew in three duets, making them meaningful fragments that form the concept of ballet, as well as the author's view of the plot of the comedy by W. Shakespeare.

Keywords: Marcia Heide, Petruchio, Katarina, Stuttgart Ballet, comedy, William Shakespeare, Domenico Scarlatti, John Kranko, The Taming of the Shrew, Richard Cragan

Аннотация: В статье рассмотрено отражение основных закономерностей мистерии XIV–XVI веков в музыкально-театральных произведениях французского «синтетического театра» ХХ века. Это «Мученичество святого Себастьяна» Г. д’Аннунцио — К. Дебюсси (1911) и «Благая весть Марии» П. Клоделя (1912–1948). Цель работы: установить особенности действия принципов семантики и композиции жанра, возрожденного в конце XIX века и получившего дальнейшее развитие во французском музыкальном театре. В междисциплинарном, герменевтическом и искусствоведческом подходах к достижению поставленной цели мы различаем компаративистский метод, позволяющий сделать выводы о тождестве и различии элементов названных сочинений, а также о жанровых «кодах» мистериальных драм, вступающих в диалог на значительном (около 300 лет) временном промежутке. Речь идет о диалоге внутри истории западноевропейского театра. В пользу научной новизны и значимости работы мы приводим тезисы об интеграции духовного измерения в пространство мистериальной драмы ХХ века, а также об актуальности духовных посланий французских композиторов ХХ века, создавших мистериальные драмы в русле христианской традиции. Сделаны выводы: О функциях литургических хоров на латыни во французских мистериальных драмах ХХ века, обнаруживающих духовный смысл рассматриваемых в настоящей статье произведений. О взаимодействии сакрального и профанного как ведущего жанрового признака мистериальной драмы XIV–XVI веков и ХХ века. О сохранении французской мистериальной драмой ХХ века пространственного вектора «земля — небо». О связи французской мистериальной драмы ХХ века с духовными проблемами современности. О поисках французской мистериальной драмой ХХ века возможности преодоления расхождений между миром, Богом и человеком. О включении французской мистериальной драмы ХХ века в общекультурный контекст.

Ключевые слова: мистериальная драма, чудо, Мученичество святого Себастьяна, благодать, дАннунцио, Дебюсси, Клодель, драма, музыка, Благая весть Марии

Abstract: The article considers the reflection of the basic laws of the mystery of the XIV–XVI centuries in the musical and theatrical works of the French "synthetic theater" of the twentieth century. These are "The Martyrdom of Saint Sebastian" by G. d'Annunzio — C. Debussy (1911) and "The Good News of Mary" by P. Claudel (1912-1948). The purpose of the work is to establish the peculiarities of the operation of the principles of semantics and composition of the genre, revived at the end of the XIX century and further developed in the French musical theater. In interdisciplinary, hermeneutical and art criticism approaches to achieving this goal, we distinguish a comparative method that allows us to draw conclusions about the identity and difference of the elements of these works, as well as about the genre "codes" of mystery dramas that enter into dialogue over a significant (about 300 years) time interval. We are talking about a dialogue within the history of Western European theater. In favor of the scientific novelty and significance of the work, we present theses on the integration of the spiritual dimension into the space of the mystery drama of the twentieth century, as well as on the relevance of the spiritual messages of the French composers of the twentieth century, who created mystery dramas in line with the Christian tradition. Conclusions are drawn: About the functions of liturgical choirs in Latin in French mystery dramas of the twentieth century, revealing the spiritual meaning of the works considered in this article. On the interaction of the sacred and profane as the leading genre feature of the mystery drama of the XIV–XVI centuries and the twentieth century. About the preservation of the spatial vector "earth — sky" by the French mystery drama of the twentieth century. On the connection of the French mystery drama of the twentieth century with the spiritual problems of modernity. About the search by the French mystery drama of the twentieth century for the possibility of overcoming the discrepancies between the world, God and man. About the inclusion of the French mystery drama of the twentieth century in the general cultural context.

Keywords: Claudel, Debussy, DAnnunzio, grace, The Martyrdom of Saint Sebastian, miracle, mystery drama, drama, music, The Good News of Mary

Аннотация: В статье выявлены базовые приемы и подходы, сформировавшиеся у истоков возникновения двух важных и актуальных направлений взаимодействия театра и культурной антропологии в современном театральном искусстве, антропологическом театре и театральной антропологии. Целью исследования стал анализ базовых приемов и терминов, которые возникли на ранних этапах становления практических и теоретических подходов к исследованию ритуальных и театральных форм. Экспедиции Брука поставили вопрос об основных составляющих театрального искусства, для достижения результата английский режиссер использовал телесные техники и приемы работы с пространством и предметом существующие в ритуальных формах. Барба во время работы в лесах Амазонии прибегал к тактике включенного наблюдателя Б. Малиновского. Технику культурного обмена, возникшую в 1970-е годы использует К. Казимерчук и современный польский антропологический театр. Методы культурной антропологии стали базой для формирования и развития новейших способов взаимодействия и коммуникации между актерами и зрителями. Впервые экспериментальная деятельность Питера Брука и Эудженио Барбы 1970-х годов проанализирована с точки зрения использования театральными режиссерами методов культурной антропологии. Антропологический театр и театральная антропология открывают перед современными практиками и теоретиками театрального искусства большое количество уникальных методов работы с телесной природой актера и становятся плацдармом для разработки новейших отношений между актером-исполнителем и зрителем-соучастником в перформативных практиках и мультикультуральных явлениях.

Ключевые слова: культурная антропология, антропологический театр, телесные техники, культурный обмен, полевые исследования, актерский тренинг, включенный наблюдатель, коллективное бессознательное, лиминальные стадии, театральная антропология

Abstract: This article reveals the basic techniques and approaches formed at the dawn of two important and relevant vector of interaction between theater and cultural anthropology in modern theater art, anthropological theater and theatrical anthropology. The goal of this research lies in the analysis of basic techniques and terms that emerged at the early stages of establishment of practical and theoretical approaches towards studying the ritual and theatrical forms. P. Brook's expeditions raised the question of the key elements of theatrical art. For achieving the result, the English the director and screenwriter used bodily techniques and work with space and objects existing in ritual forms. E.Barba, while working in Amazon jungle, resorted to the tactics of participant observer B. Malinowski. The technique of cultural exchange, which appeared in 1970s, is used by K. Kazimierzczuk and modern Polish anthropological theater. The methods of cultural anthropology underlies the formation and development of new ways of interaction and communication between the actors and audience. The experimental works of Peter Brook and Eugenio Barba of the 1970s are analyzed from the perspective of using the methods of cultural anthropology by stage directors. Anthropological theater and theatrical anthropology reveal to modern practitioners and theorists of theatrical art a wide variety of unique methods of work with corporeal nature of the actor, and become the foothold for the development of new relations between the actor-performer and viewer-copartner in performative practices and multicultural phenomena.

Keywords: liminal stages, collective unconscious, included observer, acting training, field research, cultural exchange, body techniques, anthropological theatre, cultural anthropology, theatrical anthropology

Аннотация: Предметом исследования является анализ хореографического искусства Горного Алтая в контексте воспроизведения концептов традиционной культуры алтайцев на примере Государственного национального театра танца «Алтам» Республики Алтай. Актуальность темы. Алтайский танец изучается практически впервые. В статье мы изучаем традиционную культуру алтайцев, выделяя из ее контекста танец - танцевальную культуру. Цель исследования – исследовать алтайский танец как самостоятельный вид хореографического искусства в воспроизведении художественно-сценической образности. Теоретическая и практическая значимость. Доказывается актуальность анализа творчества театра танца «Алтам» как лаборатории практической реализации результатов научно-исследовательской работы по изучению традиционной культуры алтайцев. Полученные результаты в вопросах развития хореографического искусства в Республике Алтай позволили реализовать знания в художественно-образной структуре сценического действия. Методологической основой исследования являются искусствоведческий, исторический, компаративный методы, обеспечивающие выяснение специфики развития алтайской народной хореографии в контексте этнического театрального искусства и выявление особенностей этой органики при создании художественно-образной структуры сценического действа. Научная новизна. В статье предпринимается попытка обобщения и анализа источников изучения алтайского танца. Рассматривается путь развития национального хореографического искусства, начиная с фольклорных истоков. В работе введен в научный обиход фактический материал, включающий исследования танцевальных элементов в петроглифах, народных эпических сказаниях, фольклоре, культурных обрядах, народных играх и песнях. Прослеживается трансформация рассматриваемого круга источников в различных жанрах национальной хореографии. Результат работы. Анализ этнического творчества Алтайского национального театра танца «Алтам» позволяет отметить, что в течение многих лет в алтайском танце интегрируются характерные для алтайцев движения, позы, жесты, обусловленные этногенетической идентификацией. В работе устанавливается прямая связь между традиционным алтайским танцем и формированием алтайского народно-сценического танца в целях становления и развития профессионального хореографического искусства алтайцев.

Ключевые слова: Хореографическое искусство, театр танца, Республика Алтай, сценическое искусство, театр, музыкально-драматические спектакли, этническое творчество, танцевальная культура Алтая, национальная хореография, лаборатория практической реализации

Abstract: The subject of this research is the analysis of choreographic art of the Altai Republic in the context of reconstruction of the concepts of traditional culture of the Altai people on the example of the State National Dance Theater “Altam”. Relevance of the selected topic lies in the fact that Altai dance is studied virtually for the first time. The article reviews the traditional culture of the Altai people, namely dance culture. The goal is to examine Altai dance as an independent form of choreographic art in reconstruction of the artistic stage imagery. The theoretical and practical significance consists in proving the relevance of analysis of the activity of the Altai Dance Theater “Altam” as a laboratory of practical implementation of the results of research work on studying traditional culture of the Altai people. The acquired results on the development of choreographic art in the Altai Republic give a better perspective on the artistic-imagery structure of stage performance. The methodological framework is based on the art, historical, and comparative methods that allows clarifying the specificity of development of the Altai folk choreography in the context of ethnic theatrical art, as well as revealing the peculiarities of such organics in creating the artistic-imagery structure of stage performance. Scientific novelty lies in the attempt to generalize and analyze the sources for studying the Altai dance. The author traces the evolution of the national choreographic art, beginning with the folklore origins. The article introduces into the scientific discourse the factual material, such as examination of dance elements in petroglyphs, folk epic tales, folklore, cultural rites, folk games and songs. The author observes the transformation of the indicated range of sources in various genres of national choreography. The analysis of ethnic creativity of the Altai National Dance Theater “Altam” demonstrates that for many years Altai dance integrates the typical for Altai people motions, poses, gestures, substantiated by ethno-genetic identification. The article directly connects the traditional Altai dance and formation of the Altai folk stage dance for the purpose of establishment and development of the professional choreographic art of the Altai people.

Keywords: ethnic creativity, musical and drama performances, theater, stage art, Republic of Altai, Dance Theater, Choreographic art, dance culture of Altai, national choreography, laboratory for practical implementation

Аннотация: Предметом данной статьи является трактовка балетмейстером К. Уилдоном мужских образов «Зимней сказки» У. Шекспира в контексте ее концептуальной общности с литературным первоисточником. Цель исследования – выявить постановочные средства и элементы хореографического языка, с помощью которых балетмейстер структурирует и создает мужские партии, а также провести идейно-образные параллели с оригинальным текстом. Для настоящего исследования принципы критического анализа текста спектакля, а также семантического анализа хореографии, выработанные в научных трудах таких теоретиков балетного искусства, как Лопухов, Добровольская, Красовская, Суриц, Слонимский, стали теоретико-методологической основой. Комплексный подход к проблеме интерпретации литературного первоисточника на современной балетной сцене потребовал анализа таких источников, как англоязычные рецензии на мировую премьеру балета и видеоматериалы из архивов лондонского «Royal Opera House» и московского Большого театра. Также был применен метод включенного наблюдения, базирующийся на личном опыте работы с Уилдоном над партией Утраты в спектакле Большого театра и сопровождающийся анализом записей репетиций из архива автора (март – апрель 2019). В процессе разработки поставленной научной проблемы автор статьи осуществил детальный семантический анализ сценической интерпретации и хореографической лексики мужских образов поздней пьесы Шекспира «Зимняя сказка» в одноименном балете Уилдона (что и явилось основным инструментом исследования). Это позволило прийти к таким новым результатам, как существенные наработки в аспекте выявления традиционных и модернизированных постановочных решений Уилдона, и сделать следующие выводы. Концептуальной основой своей трактовки мужских образов балетмейстер делает текст Шекспира и адаптирует его согласно сценическим возможностям балетного спектакля. При этом он использует широкий спектр как пластических, так и других классических и инновационных выразительных средств, применяя к каждой мужской роли индивидуальный постановочный подход.

Ключевые слова: Уильям Шекспир, Кристофер Уилдон, Зимняя сказка, Джоби Тэлбот, Леонт, Флоризель, литературный сюжет, мужские образы, поздняя пьеса, многоактный балет

Abstract: The subject of this article is the interpretation of male images from W. Shakespeare’s “The Winter’s Tale” by the choreographer C. Wheeldon in the context of its conceptual commonality with the literary original. The goal of this research is to determine the stage means and elements of choreographic language used by the choreographer for creation of male roles, as well as to draw ideological-imagery parallels with the original text. Methodological foundation of this study features the principles of critical analysis of text of the play along with the semantic analysis of choreography, developed in the scientific works of such theoreticians of ballet art as Lopukhov, Dobrovolskaya, Krasovskaya, Surits, Slonimsky. Comprehensive approach towards interpretation of the literary original on the modern ballet stage required  the analysis of such sources, as the English-language peer reviews of the world premiere of the ballet and video materials from the archives of the Royal Opera House in London and the Bolshoi Theater in Moscow. The author also applied the method of overt observation based on the personal experience of working with Wheeldon in Bolshoi Theatre, and accompanied by the analysis of rehearsals from the author's archive (over the period from March to April 2019). The author carried out a detailed semantic analysis of the stage interpretation and choreographic language of the male images of W. Shakespeare's play of the later period “The Winter's Tale” in the eponymous ballet of C. Wheeldon (which served as the key instrument for this research). The conclusion is made that the conceptual ground of Wheeldon’s interpretation of the male images is based on the Shakespeare’s text adapted to the realities of a stage performance.  He employs a wide array of plasticity and other innovative means of expression, applying an individual approach towards staging each male role.

Keywords: literature subject, Florizel, Leontes, Joby Talbot, The Winter’s Tale, Christopher Wheeldon, William Shakespeare, male roles, the late romance, full-length ballet

Аннотация: Предметом настоящей статьи является интерпретация К. Уилдоном женских образов «Зимней сказки» Шекспира в контексте ее идейно-образного тождества литературному первоисточнику. Исследование проводится с целью определения выразительных средств и элементов хореографической лексики, использованных балетмейстером в постановке женских ролей, а также их контекстуального сопоставления с текстом первоисточника. В процессе исследования автор статьи, в силу многосторонности проблемы интерпретации пьесы У. Шекспира на балетной сцене, пользовался комплексным подходом. Теоретической базой работы стали принципы критического и семантического анализа хореографической лексики, разработанные историками и теоретиками балетного искусства (Добровольской, Красовской, Слонимским, Лопуховым, Суриц). В процессе источниковедческого анализа были рассмотрены англоязычные рецензии на мировую премьеру балета (цитаты из статей приводятся в переводе автора), а также видеоматериалы из архивов лондонского «Royal Opera House» и московского Большого театра. Кроме того, использовался метод включенного наблюдения (основанный на личном опыте работы с Уилдоном в качестве исполнительницы партии Утраты в спектакле Большого театра), сопровождающийся анализом записей репетиций за март – апрель 2019 года, находящихся в архиве автора. Итак, проведенный в настоящей статье детальный семантический анализ композиции и хореографической лексики женских образов поздней пьесы Шекспира «Зимняя сказка», интерпретированных Уилдоном в одноименном балете, явился основным инструментом в разработке поставленной научной проблемы. К новым результатам исследования можно отнести значительный задел в аспекте выявления классических и инновационных художественных элементов танцевального языка, разработанных и использованных Уилдоном, позволивший сделать следующие выводы. Концептуально отталкиваясь от текста Шекспира, балетмейстер в определенной степени адаптирует трактовку женских образов, руководствуясь выразительным потенциалом условного балетного искусства. При этом в постановке женских ролей основным выразительным средством становятся индивидуализированные пластические интерпретации героинь.

Ключевые слова: Уильям Шекспир, Кристофер Уилдон, Зимняя сказка, Джоби Тэлбот, Гермиона, Утрата, Паулина, женские образы, поздняя пьеса, многоактный балет

Abstract: The subject of this article is K. Wheeldon's interpretation of the female images of Shakespeare's "Winter's Tale" in the context of its ideological and figurative identity to the literary source. The research is carried out in order to determine the expressive means and elements of choreographic vocabulary used by the choreographer in the production of female roles, as well as their contextual comparison with the text of the original source. In the course of the research, the author of the article, due to the versatility of the problem of interpreting W. Shakespeare's play on the ballet stage, used an integrated approach. The theoretical basis of the work was the principles of critical and semantic analysis of choreographic vocabulary developed by historians and theorists of ballet art (Dobrovolskaya, Krasovskaya, Slonimsky, Lopukhov, Surits). In the process of source analysis, English-language reviews of the world premiere of the ballet were reviewed (quotes from the articles are translated by the author), as well as video materials from the archives of the London Royal Opera House and the Moscow Bolshoi Theater. In addition, the included observation method was used (based on personal experience of working with Wheeldon as a performer of the Loss part in a Bolshoi Theater performance), accompanied by an analysis of rehearsal recordings for March – April 2019, which are in the author's archive. So, the detailed semantic analysis of the composition and choreographic vocabulary of female images of Shakespeare's late play "The Winter's Tale", interpreted by Wheeldon in the ballet of the same name, carried out in this article, was the main tool in the development of the scientific problem posed. The new results of the study include a significant groundwork in the aspect of identifying classical and innovative artistic elements of the dance language developed and used by Wheeldon, which allowed us to draw the following conclusions. Conceptually starting from Shakespeare's text, the choreographer adapts the interpretation of female images to a certain extent, guided by the expressive potential of conventional ballet art. At the same time, in the production of female roles, individualized plastic interpretations of the heroines become the main means of expression.

Keywords: multi - act ballet, late play, female images, Pauline, Loss, Joby Talbot, Hermione, Winter Fairy Tale, Christopher Wheeldon, William Shakespeare

Аннотация: Автор рассматривает четыре основных предмета, которым учил Конфуций: добродетель, речь, политические вопросы и литература в ракурсе их использования для преподавания сценического искусства. Автор утверждает, что речь считается очень важной, поскольку она имеет уникальную позицию, которая является не только критерием для оценки добродетели, но и необходимым средством участия в политических делах и овладении литературой. Приводится набор руководящих принципов для руководства речевой практикой и их использования в преподавании актерского мастерства и значении для тренинга «диалог» на уроке по сценической речи. Основное внимание в статье сосредоточено на обучении актеров импровизированному диалогу. Данный тренинг предназначен для логической организации речевых способностей учащихся. По итогам исследования, автор статьи приходит к выводу, что именно понимание Конфуцием речевых практик позволяет наиболее эффективно обучить будущего актора импровизированному диалогу. На начальной стадии обучения импровизационному диалогу очень важно привить студенту чувство собственного самосознания, настроить его на волну самовоспитания, научить его находиться в стабильном рабочем состоянии, а уже потом организовывать свою речь исходя из предложенных обстоятельств. Во время этого тренинга необходимо следить за подлинностью проживаний, за взаимным доверием, за искренностью общения и, самое главное, — следить за тем, как студент преодолевает трудности при логическом выстраивании линии диалога. На следующем этапе необходимо обучить будущего актера разумному видению ситуации.

Ключевые слова: Экспромт-диалог тренинг, Тренировка производительности, Китайский философ Конфуций, Китайский педагог, Диалог, Сценическая речь, Конфуцианство, Учебный актер, Cамовоспитания, Логика жизни

Abstract: The author examines four main things taught by Confucius: virtue, speech, political questions, and literature in the context of their use in teaching scenic art. The author claims that speech is extremely importance, as it is not only a criterion for assessing virtue, but also necessary means for participating in political affairs and mastering literature. The article describes asset of guidelines for speech practice, their application in teaching acting techniques, and significance for practicing “dialogue” in scenic speech class. Attention is focused on teaching improvisation dialogue to the actors. Such practical course is intended for logical organization of speech skills of the students. A conclusion is made that Confucius' understanding of speech practices allows teaching improvisation dialogue to the future actors. At the initial stage of teaching improvisation dialogue, it is important to instill  the sense of self-consciousness into students, dispose towards self-education, teach to be in a stable work condition, and only then organize speech based on the suggested circumstances. During this practical course, it is necessary to follow true emotions, mutual trust, sincerity of communication and, and how the student overcomes difficulties if logically structures the line of dialogue. The next step is to teach the future actor a rational attitude towards a situation.

Keywords: Self-education, Educational actor, Impromptu dialogue training, Performance training, Chinese philosopher Confucius, Chinese educator, Dialogue, Stage speec, Confucianism, Logic of life

Аннотация: Предметом исследования является поэтика спектакля «Дон Жуан», созданного режиссером Владимиром Магаром в Севастопольском русском драматическом театре имени А. В. Луначарского в 2006 году. Анализируются основные особенности творческой манеры режиссера: создание игровой атмосферы и романтического сюжета, монтажный и музыкальный способ построения действия, монтаж литературно-драматургического материала. Рассматриваются игровой способ и проживание как условия создания актерского ансамбля. Исследуется роль сценографии, пластики, музыки и прочих составляющих драматического действия. Статья основана на использовании сравнительно-исторического метода, личном зрительском опыте ее автора и анализе прессы, посвященной спектаклю. Исследование режиссерской манеры Владимира Магара, крайне мало изученной, может стать показательным для выявления закономерностей, присущих региональной театральной жизни. Данная статья продолжает серию публикаций о нем. Анализ поэтики спектакля «Дон Жуан» важен для понимания основ его режиссерской деятельности, которая способствовала тому, что Севастопольский театр стал заметным явлением в российском театральном пространстве.

Ключевые слова: Владимир Магар, Борис Бланк, Севастопольский театр, спектакль Дон Жуан, музыкальное построение, режиссерская методология, режиссерский сюжет, монтаж литературно-драматургического материала, монтажное построение, двойной контрапункт

Abstract: The subject of this research is poetics of the spectacle “Don Juan” created by the stage director Vladimir Magar in Lunacharsky Russian Drama Theatre in Sevastopol in 2006. Analysis is conducted on the main peculiarities of the directing artistic manner: creation of fiction atmosphere and romantic plot, montage and musical means of structuring action, montage of literary-dramaturgical material. The author reviews fiction method and experience as the conditions for formation of an actor ensemble; examines the role of scenography, eurythmics, music and other elements of dramatic action. The article is based on the use of comparative-historical method, personal audience experience of its author and analysis of publications dedicated to the spectacle. The research of Vladimir Magars’ directing manner, which is insufficiently studied and can become illustrative for determination of patterns common to the regional theatrical life. This article is a continuation of a series of publication of the topic. Analysis of poetics of the spectacle “Don Juan” is important for understanding the fundamentals of his directing activity, which contributed to the fact that Sevastopol Theatre became a noticeable phenomenon within the Russian theatrical space.

Keywords: Directing methodology, musical build, the production Don Juan, the Sevastopol theatre named after A. V. Lunacharsky, Boris Blank, Vladimir Magar, Directing plot, multi-piece basis, montage construction, double counterpoint

Аннотация: Опера «Греческие пассионы», созданная по мотивам романа Никоса Казандзакиса «Христа распинают вновь», актуализирует библейскую историю в «страстях» ХХ века: впервые в России она была поставлена на сцене театра «Урал Опера Балет» в 2019 году. В статье анализируется интерпретация Мартину жанра пассионов, связанная как с музыкой, так и с народной мистериальной природой этого жанра. Рассматривается опыт взаимодействия театра в процессе постановки спектакля с представителями Русской православной церкви. Раскрывается трансформация конфликта между христианством истинным и ложным, темы внутреннего преображение человека. Анализ проводится на методологической основе современной теории и истории культуры, в сочетании культурологических, философских и театроведческих методов интерпретации. В заключении отмечается затронутая постановщиками идея о превращении христианства в часть культурной традиции, которая может вести к потере его духовного содержания. Делается вывод о том, что искусство и религия могут быть рассмотрены как равноценные способы приобщения к общезначимым гуманитарным ценностям.

Ключевые слова: искусство, опера, религия, театр, пассионы, Христос, Греция, Казандзакис, Штрассбергер, Дохнаньи

Abstract: Opera “The Greek Passion”, based upon Nikos Kazantzakis’ novel “Christ Recrucified”, demonstrated the Biblical story in “passions” of the XX century: in 2019 it was staged for the first time in Russia by Ural Opera Ballet Theatre. The article analyzes Martinu’s interpretation of the genre of passion, related to music and folk mistrial nature of this genre. Experience of interaction of the theatre in the course of staging the spectacle with representatives of the Russian Orthodox Church is reviewed. The research describes the transformation of conflict between true and false Christianity, the themes of inner transfiguration of a person. Analysis is conducted within the methodological framework of the modern theory and history of culture, in combination of culturological, philosophical and theatrological methods of interpretation. It is noted that the captured by stage directors idea on conversion of Christianity into a part of cultural tradition that can lead to the loss of its spiritual content. A conclusion is made that art and religion can be viewed as the equivalents ways of acquainting with the generally recognized humanistic values.

Keywords: Kazantzakis, Greece, Christ, passion, theater, religion, opera, art, Strassberger, Dohnany

Аннотация: Объектом исследования является моноспектакль «Лир здесь» по трагедии---«Король Лир» одно из самых известных произведений английского драматурга У. Шекспира. Режиссер и актер Пекинской Оперы Ву Хсин-куо (1953, Тайвань) смело монтирует шекспировский текст и принципы китайского национального театра. С 1980-х годов Ву Хсин-куо использует традиционные восточные сценические элементы (система амплуа, символический грим, акробатика) и западноевропейские тексты, формируя уникальный театральный язык. Особенности его режиссуры впервые рассматриваются в отечественном театроведении. В статье, согласно методологии формальной школы, проводится реконструкция спектакля и анализ сценического текста как с точки зрения традиций восточного театра, так и с позиции современного театрального контекста. особым вкладом автора в исследование темы является, в спектакле «Лир здесь» Ву Хсин-куо принципиально отказывается от нарративной композиции, чтобы обнажить игровую природу театра: его цель – не рассказ истории Лира, не пересказ шекспировского сюжета. Работая в одиночку с десятью персонажами, играя с разными типами амплуа, соединяя в сложной игровой структуре западную и восточную театральные традиции, Ву Хсин-куо вскрывает в сюжете о Короле Лире еще один сюжет – поиск идентичности актера.

Ключевые слова: Шекспир, Ву Хсин-куо, Китайская Опера, Король Лир, актерское искусство, спектакль, Лир здесь, театроведение, амплуа, переделка

Abstract: The object of this research to one-man production “Lear is Here” based on W. Shakespeare's tragedy, “King Lear”. The theatrical director and actor of Beijing Opera Wu Xing Guo (born 1953, Taiwan) bravely edits the Shakespearian text and principles of the National Theatre of China. Since 1980’s, Wu Xing Guo uses the traditional Eastern scenic elements (line of roles, symbolic face painting, acrobatics) and Western European texts, forming a unique theatrical language. The peculiarities of his directing are examined within the Russian theatre studies for the first time. In accordance with the methodology of formal school, the article presents reconstruction of the play and analysis of scenic text from the perspective of Eastern theatre traditions, as well as the modern theatrical context. The author’s special contribution lies in the observation that in the spectacle “Lear is Hear”, Wu Xing Guo conceptually forgoes the narrative composition in order to reveal the playing nature of the theatre: his goal is not to tell the history of Lear or rendition of Shakespearian storyline. Playing ten different characters solely, and fusing in a complex role structure the Eastern and Western theatrical traditions, Wu Xing Guo exposes another storyline of “King Lear”– the pursuance of actor’s identity.

Keywords: King Lear, Performance, Acting, The Tragedy of King Lear, Peking opera, Wu Xing Guo, Shakespeare, Theatre studies, role, reworking

Аннотация: Предметом исследования являются обстоятельства стабильной успешности систематических гастролей русского театра-кабаре «Синяя птица» в Вене. Автор предлагает краткий очерк, включающий в себя рассмотрение различных аспектов, связанных с творчеством русских театров в эмиграции. Особое внимание уделяется культурно-историческому контексту Вены 1920-х гг., в котором стали востребованы программы русского театра-кабаре. В статье дана краткая историческая справка об австрийском кабаре и его традициях, а также информация о русской составляющей в театральной жизни Вены в исследуемый период времени. Изучение используемых источников мемуарного и научного характера позволило получить исторические и культурологические сведения, сопоставление которых позволило исследовать заявленную тему. Основным выводом статьи является следующий тезис - стабильный успех у избалованного венского зрителя в 1920-е годы русский театр-кабаре имел в силу ярко отличающих его от традиционного австрийского и немецкого кабаре особенностей - театральности, эстетизма, высокого исполнительского уровня, экзотичности тем и самобытного, уникального стиля конферансье Якова Южного. Статья предлагает отправной материал для дальнейшего изучения театрально-эстетической уникальности творчества русских театров-кабаре в Западной Европе, в частности - авангарда в сценографии русских художников.

Ключевые слова: русское кабаре, русская эмиграция, театр русской эмиграции, венское кабаре, немецкое кабаре, конферансье, миниатюра в кабаре, русская самобытность, театральная эстетика, венская публика

Abstract: The subject of this research is the factors of consistent success of concert tours of the Russian cabaret theatre “The Blue Bird” in Vienna. The author presents a brief review of the various aspects related to the work of Russian theatres abroad. Special attention is paid to the cultural-historical context of Vienna of the 1920’s, in which there was demand for performances of the Russian cabaret theatre. The article describes the Austrian cabaret and its traditions, as well as provides information on the Russian component in the theatrical life of Vienna over the period under consideration. Examination of the memoire and scientific sources allowed obtaining the historical and culturological records. The main conclusion consists in the thesis that in the 1920’s the Russian cabaret theatre had sensational success among the indulged Viennese audience due to the unique qualities unlike anything made in Austria or Germany – theatricality, aesthetism, delicacy, impressive performance, and unique style of conferencier Jascha Juschny. The presented materials may be valuable for further research in the theatrical-aesthetic distinctness of the Russian cabaret theatres in Western Europe, particularly avant-garde in scenography of the Russian artists.   

Keywords: miniature cabaret, entertainer, German cabaret, Viennese cabaret, theater of Russian emigration, Russian emigration, Russian cabaret, Russian identity, theatrical aesthetics, Vienna public

Аннотация: Педагогическая деятельность выдающегося казахского танцовщика Рамазана Саликовича Бапова (1947–2014) стала результатом слияния академической школы русского балета, черт национальной казахской хореографии, а также более чем двадцатилетнего сценического опыта исполнителя. Впитав в себя основы русской балетной школы в московском хореографическом училище, он блистательно исполнял ведущие партии в репертуаре Государственного академического театра оперы и балета им. Абая. После окончания исполнительской карьеры, Р. С. Бапов занялся педагогикой, преподавая в школах Турции, Америки и Казахстана. До настоящего времени его педагогическая система оставалась за рамками научных исследований. Предметом настоящего исследования в выявлении и описании педагогических методов Р. С. Бапова в период его деятельности в Турции (1988–1995). Авторами применены такие методы как эмпирический, описательный, компаративистики и анализа источников, а также интервьюирования как основной способ сбора и сопоставления необходимой для исследования информации, что в целом составило объективность и объемность суждений. Новизна исследования заключается в принципиально первичном осмыслении и анализе педагогических методов Р. С. Бапова в хореографическом искусстве и их совокупном введении в научный оборот. Настоящее исследование может осуществить определенный вклад в развитие хореографического образования и станет источниковедческим трудом в этой области. Авторы из первоисточников восстанавливают точную хронологию событий, список основных учеников педагога в Турции. Работа включает в себя наиболее полный список (на сегодняшний день) выявленных педагогических методов Р. С. Бапова в период его работы в Стамбуле.

Ключевые слова: педагогическая деятельность, педагогика балета, артист балета, Рамазан Бапов, казахский балет, хореографическое искусство Казахстана, педагогические методы, педагог балета, танцовщик, балет

Abstract: The pedagogical activity of outstanding Kazakh dancer Ramazan Salikovich Bapov (194702014) was a result of the fusion of the academic school of Russian ballet, national features of Kazakh choreography, and more than twenty years of performing experience. Absorbed the basis of the Russian ballet school in Moscow State Academy of Choreography, he brilliantly performed the leading roles in the repertoire of the Kazakh State Academic Opera and Ballet Theatre named after Abay. After the end of performing career, R.S. Bapov started pedagogy, teaching in schools in Turkey, America, and Kazakhstan. Until today, his pedagogical system stayed out of scientific researches. The subject of the study is the research and description of R.S. Bapov pedagogical methods during the period of his work in Turkey (1988-1995). Authors applied such methods as an empirical, descriptive, method of comparative studies and source analysis, and also a method of an interview as the main way of collection and comparison of the information required for the study, which totaled the objectivity and the volume of statements. The novelty of the study is due to the primary comprehension and analysis of R.S.Bapov's pedagogical methods in choreographic art, and their total introduction into scientific use. The study can make a certain contribution to the development of choreographic education and will become a source work in this field. Authors restore an accurate course of events, list of main students in Turkey from the original sources. The work includes the most complete list (to date) of identified pedagogical methods Of R. S. Bapov during his work in Istanbul.

Keywords: pedagogical methods, choreographic art of Kazakhstan, Kazakh ballet, Ramazan Bapov, ballet dancer, pedagogy of ballet, pedagogical activity, ballet teacher, dancer, ballet

Аннотация: Объектом исследования являются две оперы немецкого оперного гения барокко Г.Ф. Генделя - "Счастливый Флориндо" и "Преображенная Дафна. Ввиду отсутствия музыкальной составляющей, предметом изучения стали сохранившиеся тексты либретто. В данной статье совершается попытка дополнить разрозненные сведения, касающиеся истории создания и первых постановок, а также судьбе этих творений. Помимо этого, приводится краткий обзор сюжетосложения с целью выявления его специфики и представления двух опер композитора как единого целого. Автор преимущественно использует исторический метод для исследования и изложения исторических событий. В изучении специфики сюжетосложения применяются различные теоретические методы: прежде всего анализ, сравнение и индуктивно-дедуктивный метод. В русле всеобщего интереса к музыкальному искусству барокко, данная статья представляет новую страницу в отечественном музыкознании о раннем оперном творчестве Г.Ф. Генделя и традициях Гамбургского оперного театра начала XVIII века. "Счастливый Флориндо" и "Преображенная Дафна" - это не только первое обращение Генделя к жанру оперной пасторали, весьма популярному в то время на всей территории Европы, но и один из ярких примеров оперной дилогии,постановки которых осуществлялись на сцене Gänsemarkt.

Ключевые слова: либреттология, Гамбургский театр, история оперы, двойная опера, сюжетосложение, Хайнрих Хинш, Георг Гендель, опера барокко, опера сериа, Флориндо и Дафна

Abstract: The matter under research is two operas of a German opera genius George Handel, Florindo and Daphne. Due to the fact that there is no music for these two operas left, the researcher focuses on the analysis of libretto texts. Kosheleva makes an attempt to bring together bits of information about the creation and first performances as well as what happened to the operas later. In addition, the researcher also provides a brief review of the narration in order to describe specific features and represent two operas as one whole. The researcher primarily uses the historical method to research and describe historical events. To analyze specific features of the narration, Kosheleva applies a variety of theoretical methods, most of all,l analysis, comparision and inductive-deductive method. As part of the overall inerest in Baroque musical art, this article represents a new page in Russian music studies of George Handel's early opera composition and The Hamburg theatre's traditions in early XVIIIth century. Florindo and Daphne represent Handel's first appeal to the opera pastoral genre and are a bright example of opera dilogy, performances that were put on on Gänsemarkt stage. 

Keywords: opera seria, librettology, The Hamburg theater, double opera, history of the opera, plot formation, Heinrich Hinsch, George Handel, baroque opera, Florindo and Daphne

Аннотация: Предмет исследования в данной статье – театр эпохи Византийской Империи как институциональное и художественное явление, рассматриваемое в непрерывной художественной традиции Античности. Считается, что театра в Византии как такового не существовало, он погиб под ударами христианства. Данное исследование доказывает обратное: театр в Византии существовал, но он, эволюционировав, стал сильно отличатся от античного. Процесс видоизменения произошел в тот период, когда изменилось общественное сознание и мировосприятие под воздействием христианской религии. Это проявилось в отказе от пьесы как драматического текста, и обращении к зрелищу, жесту, музыке, пантомиме, пляске. Используемые автором методы исторического и системного анализа явлений культуры византийского общества показывают, что традиционная античная театральная типология и структура драматических форм сохранялись и были востребованы в особой культурной среде. Автор называет причины, осложняющие изучение византийского театра: отсутствие текстов; изменения театральной терминологии; малое количество свидетельств и описаний очевидцев; предвзятость полемических сочинений христианских писателей. Новизна исследования заключается в том, что автор открывает новые перспективы для понимания византийской театральной культуры, устанавливает факт существования античного театра в Византийской Империи, его активного развития и функционирования, изменения форм и эволюционирования до самого падения Империи. Особым вкладом автора в исследовании темы является вывод, что Театр, как таковой, никогда не предавался анафеме, не проклинался христианскими канонами, осуждались лишь безнравственные представления на сцене.

Ключевые слова: Византия, Константинополь, византийский театр, мим, пантомим, актер, драматургия, представление, христианство, школьное образование

Abstract: The subject of this research is the theatre of the Byzantium Empire era as an institutional and artistic phenomenon viewed as part of continuous Ancient artistic tradition. There is a belief that Byzantium did not have a theatre at all because the latter was destroyed by the Christians. However, this research proves right the opposite: there was the theatre in Byzantium but it changed a lot and thus did not recall the Ancient theatre at all. The theatre was changed as a result of new social concepts and perceptions that were changed under the influence of Christian religion. The theatre refused from the dramatical nature of a play and focused on entertainment, gesture, music, play and pantomime. The methods of historical and systems analysis used by the author to analyze the Byzantium culture demonstrate that traditional ancient theatre classification and dramatic structure remained unchanged and demanded by the cultural environment. The author gives the reasons that make the analysis of the Byzantium theatre complicated such as the absence of texts, new theatre terminology, little evidence and witness description, and the bias of polemic writings of Christian authors. The novelty of the research is caused by the fact that the author gives new prospects for understanding the Byzantium theatrical culture and proves the fact that there was ancient theatre in the Byzantium Empire and it actively developed and functioned, the theatre was never given to anathema or cursed by Christian canons, it is just that the church disaproved of immoral behavior on the stage. 

Keywords: byzantine theater, Christianity, performance, actor, dramaturgy, pantomime, mime, Constantinople, Byzantium, school education

Аннотация: В данной статье рассматривается балетная критика С. Н. Худекова, издателя, драматурга и просвещенного балетомана, касающаяся творчества Мариуса Петипа. Критические статьи С. Н. Худекова, выходившие в течение нескольких десятилетий в газетах и второй половины XIX века («Русская сцена», «Музыкальный свет», «Петербургский листок», «Петербургская газета» и др.), давали разностороннюю оценку событиям петербургской балетной сцены. Их автор прекрасно разбирался в специфике балета, в профессии балетмейстера, в процессе рождения балетного спектакля. Помимо фиксации повседневной жизни балетного театра и отзывов на большинство премьер М. Петипа, С. Н. Худеков привлекал внимание к проблемам гражданского и нравственного состояния балетной «среды». Выводом данной статьи является то, что творчество Мариуса Петипа служило ему доказательством важной роли искусства в эстетическом воспитании общества, в чем он видел главное предназначение и балетного искусства.

Ключевые слова: Худеков Сергей, Петипа Мариус, балетная критика, Петербургская газета, периодические издания XIXвека, Сен-Леон Артур, Дочь Фараона, Царь Кандавл, Спящая красавица, Щелкунчик

Abstract: The article is devoted to the critical evaluation of Marius Petipa's ballets by an editor, playwright and ballet addict Sergey Khudekov. In his articles published in the newspapers of the second half of the XIXth century ('Russian Stage', 'Musical Light', 'Petersburg Paper', 'Petersburg News', etc.) Sergey Khudekov gave a varied evaluation of the events that were happening on the Petersburg ballet stage. Khudekov, who wrote those articles, showed himself as a great expert in ballet, ballet-master profession and creation of a ballet show. Besides descriptions of the ballet theatre everyday life and evaluations of Marius Petipa's premier ballets, Sergey Khudekov drew the reader attention to the civil and moral state of the ballet environment. The conclusion of the article is that Marius Petipa's ballets proved the important role of art in the aesthetic education of the society, that being the mission Khudekov believed the ballet to have. 

Keywords: Le Roi Candaule, The Pharaoh's Daughte, Arthur Saint-Léon, periodicals of the XIX century, Petersburg newspaper, ballet criticism, Petipa Marius, Khudekov Sergey, The Sleeping Beauty, The Nutcracker

Аннотация: В статье, на примере некоторых театральных самодеятельных коллективов г. Владивостока анализируется их социальное назначение. Рассматривается роль и польза современного самодеятельного театра. Следуя выбранным критериям, автор даёт подробное описание деятельности каждого коллектива (руководитель, репертуар, количество и возраст участников, гастрольная, коммерческая и благотворительная деятельность). Из чего определяются положительные стороны самодеятельности и основные трудности функционирования театральных коллективов: 1. Отсутствие материально-технической базы. 2. Отсутствие собственного помещения. 3. Отсутствие гастрольной деятельности. Методом исследования в данной статье является наблюдение, описание и сравнение современных театральных самодеятельных коллективов г. Владивостока. Автор обнаруживает в г. Владивостоке около 40 самодеятельных театральных коллективов и около 10 самодеятельных театров. Особое внимание уделяется деятельности самодеятельного коллектива, которая направлена на всестороннюю социализацию человека в обществе. В результате анализа выявляется потребность содействия и поддержки со стороны городских и муниципальных властей.

Ключевые слова: самодеятельный театр, театральная студия, детский театр, сценическое искусство, творчество, репертуар, социализация, благотворительность, досуг, коллектив

Abstract: Based on the example of several amateur theaters in Vladivostok, the author of the article analyzes their social mission. The author focuses on teh role and benefits of an amateur theatre. Based on the appointed criteria, the author provides an insight into each amateur theatre (director, repertory, number and age of actors, touring, commercial and charity activity, etc.). Based on the results of this analysis, the author defines positive sides of amateur theatre as well as the main challenges that an amateur theatre usually faces. This includes the following: 1. No physical infrastructure. 2. No premises of their own. 3. No touring activity. The research methods used by the author include observation, description and comparison of contemporary amateur theatres in Vladivostok. The author of the article has discovered 40 amateur theatre associations and about 10 amateur theatres in Vladivostok. Karpechenko pays special attention to the activity of an amateur theatre association aimed at overall socialization of a human into a society. As a result of the analysis, the author emphasizes the need to support amateur theatres by state and municipal authorities.   

Keywords: socialization, repertoire, creative work, dramatic art, children's theater, drama school, amateur theater, charity, leisure, collective

Аннотация: Предметом исследования настоящей статьи является сценическое искусство выдающегося французского артиста XIX в., певца, автора песен и куплетов Пьера Левассора (1808–1870). Пьер Левассор поражал современников виртуозной актерской техникой, основанной на использовании приема трансформации в водевилях, музыкальных имитациях, пародиях, куплетах, монологах «в образе». Несмотря на это, специальных исследований, посвященных Пьеру Левассору, не существует, а сведения о его жизни и творчестве довольно скупы. Объект исследования – влияние Пьера Левассора на отечественное сценическое искусство в период становления разговорных жанров российской эстрады (куплет, короткий рассказ, пародия). В рамках проведенного в статье исследования автор прибегал к контекстуальному, историко-культурному, сравнительному и театроведческому анализу. Впервые анализируется утверждение на концертной эстраде номеров разговорного жанра с использованием приема театральной трансформации в первой половине XIX в.. Проведенное исследование показало, что Пьер Левассор, как один из законодателей куплетного жанра, оказал влияние на исполнительские традиции куплета в России, привнеся стиль виртуозной интонационной музыкальной декламации. Искусство сценической трансформации Пьера Левассора позволило раскрыть возможности жанра «живописного сказывания» (короткий рассказ) на концертной эстраде наиболее значительно и разнообразно в творчестве отечественных актеров, в том числе основоположника жанра – И. Ф. Горбунова (1831–1896).

Ключевые слова: Пьер Левассор, трансформация, эстрада, разговорный жанр, куплет, имитация, короткий рассказ, водевиль, Иван Горбунов, дивертисмент

Abstract: The subject of this research is the performance art of a great French artist of the 21st century, singer, composer of songs and verses Pierre Levassor (1808 - 1870). Pierre Levassor had an amazingly virtuosic acting technique that was based on using transformation in vaudevilles, musical imitiations, verses, monologues, etc. Despite all being said, there are no special researches devoted to Pierre Levassor and information about his real and creative life is very scarce. The object of this research is the influence of Pierre Levassor on Russian performance art during the period when stand-up genres (short stories, verses, parodies) developed. Within the framework of this research the author has used the contextual, historical cultural, comparative and theatre analysis. For the first time in the academic literature the author analyzes stand-up performances that were put on using the method of theatrical transformation in the first half of the 19th century. The results of the research demonstrate that being one of the founders of the stand-up genre, Pierre Levassor had a great impact on performance traditions of stand-up in Russia and brought in the style of virtuosic intonation music declamation. The art of stage transformation created by Pierre Levassor allowed to reveal all potential of the 'artistic narration' (short story) on the stage for the Russian stage including the founder of that genre in Russia, Ivan Gorbunov (1831 - 1896).

Keywords: Ivan Gorbunov, vaudeville, short story, imitation, verse, stand-up genre, stage, transformation, Pierre Levassor, entertainment

Аннотация: Предметом исследования данной статьи является место любительского театра в духовном мире Льва Толстого. Объектом исследования является непосредственно духовный мир Льва Толстого, этические ориентиры писателя. Автор подробно рассматривает такие аспекты темы как воззрения Толстого на сущность и задачи искусства в целом и театра в частности. Целью статьи является выявление принципиальных различий любительского и профессионального театра в сознании Толстого. Автор ставил задачу проанализировать теоретические идеи Л. Н. Толстого об искусстве, о театре, и сопоставить их с практической театральной деятельностью Л. Н. Толстого на примере любительских постановок его семьи. Исследование проводится литературно-историческим методом, путём изучения документальных свидетельств современников Л. Н. Толстого, анализа его теоретических статей об искусстве, отрывков из художественных произведений, где отражается взгляд Толстого на природу театра. Кроме того, в статье осуществляется попытка частичной реконструкции яснополянских спектаклей «Нигилист» (1866) и «Плоды Просвещения» (1899). Основными выводами проведённого исследования является идея того, что Толстой разделяет понятия профессионального и любительского театра; и обвинения современному театру, высказанные писателям в его теоретических работах, не всегда относятся к домашним любительским постановкам. Более того, домашние любительские спектакли для Толстого – это своеобразный способ общения с близкими людьми, возможность диалога, попытка преодолеть непонимание и решить наболевшие проблемы. Тема «Лев Толстой и театр» исследована в советском театроведении с различных точек зрения. В монографии Е. И. Поляковой «Театр Толстого» анализируется драматургия писателя, в исследовании Б. Ф. Сушкова «Уроки театра Толстого» автор в большей мере обращает внимание на театральное воплощение пьес, на их нравственные ориентиры. Автора данной статьи интересуют прежде всего отношения частного человека – Льва Толстого – с театром как институтом. Ранее в театроведении подобный вопрос не подвергался серьезному исследованию. В обращении к этой проблеме и заключается в первую очередь новизна исследования. Результаты этого исследования могут быть использованы на лекциях по истории театра, на их основе могут возникнуть новые экскурсии в музее-усадьбе Л. Н. Толстого «Ясная Поляна» и в Государственном музее Л.Н. Толстого в Хамовниках.

Ключевые слова: драматургия Толстого, Нигилист, Плоды просвещения, теория искусства Толстого, домашний театр, любительский театр, Лев Толстой, яснополянский театр, Толстой и театр, театральные искания Толстого

Abstract: The subject of the research of this article is the place of amateur theatre in the spiritual world of Leo Tolstoy. The object of the research is the spiritual world of Leo Tolstoy, and ethical reference points of the writer. The author of the article examines such aspects of the topic as Tolstoy's views on the nature and objectives of art in general and theatre in particular. The aim of the article is to identify the fundamental differences of amateur and professional theatre in the mind of Tolstoy. The author sets the task to analyze the theoretical ideas of Leo Tolstoy about art, theatre, and compare them with the practical theatre work of Leo Tolstoy as an example of amateur stagings of his family.The research is carried out using the literary-historical method by examining the documentary evidence of contemporaries of Leo Tolstoy, analysis of his theoretical articles on art, extracts from his writings that reflect the views of Tolstoy on the nature of the theatre. In addition, the article is an attempt to Yasnaya Polyana partial reconstruction of stagings of "Nihilist" (1866) and "The Fruits of Enlightenment" (1899). The main conclusions of the research is the idea that Tolstoy shared concepts of professional and amateur theatre; accusations towards the contemporary theatre made by the writer in his theoretical work did not always relate to the domestic amateur performances. More than that, for Tolstoy the domestic amateur plays were is an original way to communicate with loved ones, an opportunity for a dialogue, and an attempt to overcome misunderstandings and resolve urgent problems. The theme of "Leo Tolstoy and the theatre" was studied in the Soviet theatre criticism from various points of view. The book of E.I. Polyakova "Tolstoy’s Theatre" is analyzed in terms of the dramatic composition of the writer, in the analysis of B.F. Sushkova in "The Lessons of Tolstoy’s Theatre" the author pays more attention to the theatrical realization of the plays and their moral lessons. The author of this article is primarily interested in the relationship of the individual - Leo Tolstoy – with the theatre as an institution. Never before in theatre criticism similar question has not been seriously investigated. The novelty of the research is caused by the fact that the author raises this problem. The results of the research can be used in lectures on the history of theatre, based on them new trips to the Museum-Estate of Leo Tolstoy "Yasnaya Polyana" and the State Museum of Lev Tolstoy in Khamovniki can be established.

Keywords: theatre searches of Tolstoy, Tolstoy and theatre, Yasnaya Polyana theatre, Tolstoy's drama works, Nihilist, The Fruits of Enlightenment, Tolstoy's theory of art, home theatre, amateur theatre, Lev Tolstoy

Аннотация: Объектом исследования является творчество Ясмины Реза, современного французского драматурга, обладательницы многих престижных театральных наград , среди которых Большая театральная премия Французской Академии, премии Мольера, Лоуренса Оливье, «Тони». Произведения этого автора вызывают широкий интерес критики и многочисленные споры об их принадлежности к различным театральным течениям. В своих пьесах Реза использует приемы «литературного театра» и «театра абсурда», не обходит вниманием и «бульварный театр», выбирая и комбинируя лучшие его качества. В то же время в структуре ее пьес можно отметить методы театрального авангарда и элементы постмодернизма, среди которых смешение жанров, эстетический и литературный эклектизм, самоирония автора и интеллектуальная игра со зрителем. В статье предложен подробный разбор одной из пьес Ясмины Реза «Человек случая» для выявления стилистических особенностей и авторских приемов в разработке сюжета и структуры произведения. Отмечается актуальность проблем, поднимаемых в произведениях Ясмины Реза и особо выделены составляющие коммерческого успеха ее пьес. Основным методом исследования в данной статье является анализ оригинальных приемов, которые Ясмина Реза использует в своих произведениях. Оригинальность данной работы заключается в том, что в России творчество современных французских театральных деятелей практически не изучено. Анализ пьес Ясмины Реза, как одного из наиболее ярких драматургов Франции, позволяет познакомить российского читателя как с особенностями современного французского театра, так и с оригинальной творческой манерой данного автора.

Ключевые слова: театральные течения, диалог монологов, самоирония автора, эклектизм, игра со зрителем, культурный феномен, анафора, постмодернизм, авторские приемы, коммерческий успех

Abstract: The present article is devoted to Yasmina Reza, a modern French playwright. Her plays are successfully staged on different venues all over the world. She is a winner of various prestigious theatrical awards such as Grand Prix du Théâtre de l’Académie Française (2000), Molière Award for Best Author, Best Play and Best Production (1994) Laurence Olivier Award for Best Comedy (1998, 2009), Tony for Best Play (1998, 2009). Yasmina’s great knowledge and wide creativity let her become Nicolas Sarkozi’s personal biographer during his pre- election campaign as well as to write the book ‘Morning, evening or night’ (2007) about this period of time. The plays of this author are of the primary concern of the theatre critics and cause many disputes about what theatrical currents they belong to. In her plays Reza uses the methods of ‘literary theatre’, but also pays attention to the ‘boulevard theatre’, selecting and combining its best merits. At the same time in her works it can be noted the traces of theatrical avant-garde and elements of postmodernism, among which there are mixing of genres ,aesthetic and literary eclecticism, the author’s irony and intellectual flirtation with a spectator. There is a detailed analysis of one of the Jasmina Reza’s play ‘The Unexpected Man’ in this article in order to detect the stylistic peculiarities and author’s methods in working out of the plot and structure of her work. It is noted here the topicality of the problems described in Jasmina Reza’s plays and it is especially underlined the constituents of the commercial success of her plays. Individual approaches, which Resa employs in her work with the text, methods and measures of introducing of her plays into the world stage deserve a certain attention of the theatrical people .

Keywords: anaphora, cultural phenomenon, flirtation with a spectator, eclecticism, self-irony of the author, dialogue of monologues, theatrical currents, postmodernism, author’s approaches, commercial success

Аннотация: Объектом исследования является актёрское мастерство. Предметом исследования являются процессы спонтанности поведения и внутренней свободны при практиках актёрского мастерства. Рассматриваются феномены стереотипных реакций, стандартных моделей действия, шаблонов поведения как адаптивные структуры и возможные эффекты расширения репертуара поведения, включения в рисунок поведения гибких, спонтанных форм активности. Показываются взаимосвязи и механизмы спонтанности - зажатости, внутренней свободы - скованности. Предлагается оптимальное сочетание актёрского мастерства и психотехники для развития спонтанности и внутренней свободы. Использованы методы теоретической реконструкции материала, метод сравнения, метод мысленного эксперимента, методы наблюдения за студентами в актёрской группе, экспертное заключение педагогов по актёрскому мастерству, метод контроля правильности выводов и заключений. Основными выводами проведённого исследования являются положения, симметричные теме исследования: актёрское мастерство и сценическая педагогика позволяют выходят за пределы театра и оказывают разнонаправленное воздействие на личность. Новизна исследования заключается в описание отдельных новаторских аспектов применительно актёрскому мастерству: двигательный телесный опыт накапливается в практике актёрского мастерства, расширяется репертуар поведения, снимается преобладание визуальных образов над реальными. Актёрское мастерство становится регулятором поведения, давая новые инструменты личности для построения своей позиции.

Ключевые слова: актёрское мастерство, сценическая педагогика, спонтанность, внутренняя свобода, психотехника, двигательный опыт, застенчивость, психофизический тренинг, урбанистика, навыки коммуникации

Abstract: The object of the research is the acting technique. The subject of the research is behavior spontaneity and internal freedom in the process of acting. The researchers touch upon the phenomenon of stereotypic reactions, standard models of action, behavior patterns as adaptive structures and possible effects of extending behavior patterns including flexible spontaneous forms of activity. The author also describes spontaneity-reservedness and internal freedom-restraint mechanisms and relations. The authors offer the best combination of acting and psychotechnic for encouraging spontaneity and internal freedom. In their research the authors have used the theoretical reconstruction methods, comparison, mental experiment, observation over drama students, expert reports of drama teachers, and control over summary and conclusion accuracy. The main conclusions of the research are the provisions relevant to the research topic, in particular, the statement is that acting and drama allow to go beyond the borders of the theatre and make a diverse influence on one's personality. The novelty of the research is caused by the fact that the author describes particular innovative aspects of acting such accumulation of motional physical experience in acting, extension of behavior patterns and domination of visual images over real images. Thus, acting becomes a behavior regulator providing one's personality with new tools to develop his or her own positions and views. 

Keywords: communication skills, urban studies, psychophysical training, shyness, motional experience, psychotechnics, internal freedom, spontaneity, stage education, acting

Аннотация: В статье автор делится своими наблюдениями от спектакля студии «Гептахор». Наряду с сильным впечатлением от увиденного он ставит три проблемы, касающиеся восприятия и понимания жанра музыкального движения. Высказывает гипотезу, что зрители в данном случае встретились с новым видом искусства. Дальше эта гипотеза разъясняется и обосновывается. Главными темами при этом выступают: объяснение особенностей музыкального движения, проблема формирования новой художественной формы, анализ музыкальной реальности, которая складывается в жанре музыкального движения, роль осмысления и интерпретаций музыкальных произведений, выслушиваемых музыкальным движением. В результате проведенного исследования автор укрепляется в высказанной им гипотезе. В данном исследовании были реализованы идеи гуманитарного и герменевтического подходов, предложены авторские интерпретации пластических спектаклей ‒ «Рождение солнца» на музыку балета И.Стравинского «Весна священная» и «Принцип Аполлона» на музыку того же композитора «Аполлон Мусагет»; в целом автор работал в русле развиваемой им гуманитарной методологии. В результате проведенного исследования ему удалось показать, что, действительно, складывается новый вид искусства, в чем особенности музыкального движения как нового вида искусства, как в рамках музыкального движения становится и формируется новая художественная форма и реальность, какие интеллектуальные и духовные условия поддерживают это становление.

Ключевые слова: музыка, движение, спектакль, эстетика, личность, интерпретация, произведение, балет, танцы, музыкальное движение

Abstract: In the article the author shares his observations on the performance studio "Heptahor". Along with the strong impression from what he saw, he raises three issues relating to the perception and understanding of the genre of musical movement. It is hypothesized that the audience in this case met with a new kind of art. Further, the hypothesis explained and justified. The main themes are: explanation of features of musical movement, creation of a new art form, analysis of the musical reality that is emerging in the genre of musical movement, role of comprehension and interpretation of music played to the musical movement. As a result of the study the author proves his hypothesis. In his study Rozin introduces the ideas of humanitarian and hermeneutical approaches and offers his own interpretations of the plastic performances 'The Birth of the Sun' after Igor Stravinsky's ballet 'The Rite of Spring' and 'Apollo's Principle' after Igor Stravinsky's ballet 'Apollon Musaget'. In general, the author continues to develop his humanitarian methodology. As a result of the research the author has been ablel to demonstrate that it was indeed a new art form, to describe features of the musical movement as a new art form, how  a new art form and reality have been developed within the framework of the musical movement and what intellectual and spiritual grounds supported that development. 

Keywords: ballet, work, interpretation, personality, aesthetics, performance, movement, music, dance, musical movement

Аннотация: Предметом исследования выступает модель репертуарного театра в контексте изменений, произошедших за последнее десятилетие в правовом, экономическом, организационном, социологическом и творческом поле нашей страны. Автор ставит целью провести комплексный анализ ситуации, определившей бытование репертуарного театра, и проследить векторы его дальнейшего развития. В статье рассматриваются законодательные инициативы и результаты их реализации, влекущие за собой преобразования организационного характера. Кроме того, внимание уделяется попытке театров обрести новое социокультурное качество взамен утраченного значения театра как кафедры и храма. Творческий фактор рассматривается в ракурсе встраивания отечественного театра в мировой театральный процесс, а также с учетом изменений, происходящих в государственной культурной политике. С точки зрения методологии исследование построено на отдельном рассмотрении четырех аспектов проблемы адаптации репертуарного театра к современным условиям: экономическом, организационном, социологическом и творческом. В заключении синтезированы выводы по каждому аспекту. Динамично меняющаяся ситуация в сфере культуры нашей страны предопределяет потребность постоянного осмысления происходящего. Данное исследование фиксирует основные тенденции современного театрального процесса и предполагает пути его дальнейшего развития. Основными выводами проведенного исследования являются: необходимость пересмотра действующего федерального и регионального законодательства, нелояльного к сфере культуры, важность борьбы профессионального сообщества за создание многоканальной системы поддержки искусства, усиление коммуникативной и образовательной функций театров, способствующих воспитанию и расширению театральной аудитории, а также благоприятность соперничества консервативных и новаторских течений в театральном искусстве.

Ключевые слова: репертуарный театр, культурная политика, перформативность, постдраматический театр, целевое финансирование, директор театра, режиссер, мультикультурный центр, художественный руководитель, театральное искусство

Abstract: The subject of the present research is the model of the repertoire theatre in terms of changes that have taken place over the past decade in the legal, economic, social, cultural and artistic environment of our country. The author of the article sets a goal to carry out the integrated analysis of the situation which predetermined the existence of the repertoire theatre as well as to analyze directions for its future development. The article touches upon legislative initiatives and results of their implementation leading to tranformation of their institutional arrangements. In addition, the author also focuses on the theatres' attempts to win a new socio-cultural status instead of the lost role of the theatre as the temple or faculty. Creative life is viewed by the author from the point of view of the Russian theatre's integration into the global development of the theatre as well as considering changes in Russia's state cultural policy. In terms of methodology, the research is based on the analysis of the four aspects of the adaptation of the repertoire theatre to modern economic, social, cultural and artistic conditions. In conclusion, the author generalizes conclusions for each aspect. According to the author, dynamic changes in the sphere of culture in our country create the need to constantly reflect on what's happening. The present research helps to fix the main trends in the modern theatre process and offer ways for its future development. The main conclusions of the research are the following: there is a need to review the existing federal and regional laws and make them fairer towards the sphere of culture. Professional community should also struggle to create the multichannel system of supporting arts, strengthen communicative and educative functions of the theatre contributing to raising and extending the theatre audience as well as develop the favorable competition between conventional and innovative movements in the theatre art. 

Keywords: multicultural centre, director, theatre manager, targeted financing, postdramatic theatre, performativity, cultural policy, repertoire theatre, artictic director, theatre art

Аннотация: Статья посвящена исследованию интерпретации В.Г. Сахновским драматургии А.Н. Островского. Творческое наследие режиссера, театроведа и педагога Василия Григорьевича, до недавнего времени находившегося на периферии театральной науки, представляет собой весьма обширную культурную тему. Изучение теоретических работ Сахновского об Островском и выступлений режиссера на заседаниях театральной секции РАХН, а также анализ сценических опытов самого Сахновского не только расширяют наши представления о драматургии Островского на советской сцене, но и сообщают ряд важных характеристик режиссерского метода Сахновского. Объектом исследования является интерпретация В.Г. Сахновским драматургии А.Н. Островского. Стоит выделить несколько предметов исследования: работа В.Г. Сахновского «Театр А.Н. Островского», выступление Василия Григорьевича на обсуждении постановки Вс.Э. Мейерхольда «Лес», сценическая трактовка пьесы «Гроза» в Московском Драматическом театре. В рамках проведенного в статье исследования автор прибегал к контекстуальному, историко-культурному, сравнительному и театроведческому анализу. На основе проведенного исследования автор пришел к следующим заключениям: Сахновский в интерпретации творчества Островского придерживается линии Аполлона Григорьева, открывшем в драматурге поэта народной жизни, создавшего первый национальный русский театр. Анализ постановки «Грозы» и позиции Василия Григорьевича по отношению к сценическим опытам Мейерхольда открывает причины бедственного положения Сахновского в общественном и культурном контексте двадцатых.

Ключевые слова: В.Г. Сахновский, А.Н. Островский, советский театр, режиссура, драматургия, творческий метод, В.Э. Мейерхольд, Московский драматический театр, интерпретация, театральная постановка

Abstract: The article is devoted to studying Vasily Sakhnovsky's intepretation of Alexander Ostrovsky's playwriting. Artistic legacy of a theatre director, theorist and teacher Vasily Saknovsky who had been on the periphery of theatrical science until recently is a rather broad cultural issue. The research of theoretical works written by Sakhnovsky about Ostrovsky and his speeches made during meetings of the theatrical section of the Russian Academy of Sciences as well as analysis of Sakhnovsky's performances do not only extend our idea for Ostrovsky's playwriting but also reveal a number of important features of Sakhnovsky's directing method. The object of the research is Vasily Sakhnovsky's interpretation of Alexander Ostrovsky's plays. The following several subjects of the research should be stressed out: Vasily Sakhnovsky's work 'The Theatre of Alexander Ostrovsky', his speech devoted to the discussion of Vsevelod Meyerhold's play 'The Forest' and his theatrical interpretation of the play 'The Thunderstorm' at Moscow Drama Theatre. In the course of her research Mikhailova has used the contextual, historical-cultural, comparative and theatrical analysis. The researcher has made the following conclusions based on the results of the research: in his interpretation of Ostrovsky's plays, Sakhnovsky adopted the views of Apollon Grigoriev who saw Ostrovsky as the founder of the first national Russian theatre. Through analyzing Sakhnovsky's performance of 'The Thunderstorm' and his attitude to Meyerhold's theatrical experiments, the researcher reveals why Sakhnovsky was so poorly appreciated by the social and cultural communities of the 20's. 

Keywords: interpretation, creative method, Vsevelod Meyerhold, dramaturgy, directing, soviet theatre, Alexander Ostrovsky, Vasily Sakhnovsky, Moscow Drama Theatre, theatrical performance

Аннотация: в статье впервые проводится анализ творческих установок цыганского театра. На основании документов из фондов РГАЛИ автор рассматривает борьбу стратегий, менявших лицо «Ромэна» на протяжение 80 лет. Так, при выборе между цыганским и русским языком далеко не сразу приоритет был отдан последнему. Важной представляется творческая развилка между тремя концепциями: агитбригады, музыкально-драматического или музыкального театра. Прослежено изменение общественно-политических позиций творческого коллектива. Рассматривается меняющееся отношение к фольклорным истокам костюма и хореографии. Констатируется, что национальные традиции и ментальность получали в конкретных спектаклях диаметрально противоположные трактовки. Все это впрямую отражалось на посещаемости «Ромэна». Соответственно менялись и позиции, занимаемые театром на поле российской культуры. Проведенный в статье анализ стратегических удач и просчетов позволяет осмыслить причины кризисных явлений, а также выявить наиболее перспективные пути развития цыганского театрального искусства.

Ключевые слова: культурология, российская культура, национальные традиции, цыгане, цыганский театр «Ромэн», концепция, костюм, спектакль, критика, фольклор.

Abstract: the article presents the very first attempt to analyze creative concepts of the gypsy theatre. Based on documents from the RGALI archives, the author of the article analyzes the ‘struggle of strategies’ and choices that have been making the history of the Romen Theatre over the past 80 years. For instance, when there was choice between Gypsy and Russian languages, Russian was not always selected. Quite an important choice was also made between the three concepts, propaganda team, music drama or just music theatre. The author of the article also traces back how social and political views of the artists and attitudes to folklore costumes and choreography have been changing. It is stated that national traditional and mentality were showed in absolutely opposing ways on the stage. It all had an influence on Romen audience and therefore, the role and status of the Romen Theatre in Russian culture. Analyzing strategic success and failures, the author of the article explains the reasons of crisis and describes the most promising ways of developing gypsy theatre art.

Keywords: cultural studies, Russian culture, national traditions, gypsies, gypsy Romen Teatre, conception, costume, play, critics, folklore.

Аннотация: к анализу книги Е. А. Маликова «Миф и танец. Опыт занимательной герменевтики» автора статьи подвигло то, что в книге Маликовым формулируется методологическая стратегия изучения танца и его эстетической специфики. С его точки зрения, очень важна мысль исследователя о роли мифа, ритуала, культа и образа в морфологии хореографического высказывания. Особое внимание уделено представленной Маликовым культурологической типологии дискурсов. Высоко оцениваются вскрытые ученым механизмы порождения новых смыслов и форм танца в его целостности. Указывается на научную ценность актуализируемых в книге проблем как для искусствоведения, так и для культурологии.

Ключевые слова: искусствоведение, миф, танец, ритуал, культ, обряд, магия, суггестия, дискурс, балет.

Abstract: This article contains an analysis of E. A. Malikov’s book ‘Myth and Dance. Experience of Fun Hermeneutics’ (published in Moscow in 2012). The author decided to analyze that particular work because in her book Malikov created a methodological strategy of studying dance and its esthetics. In his opinion, what a researcher thought about the role of myth, ritual, cult and image was very important for the morphology of choreographic study. Special attention is paid at Malikov’s cultural typology of discourses. The author gives a high evaluation of Malikov’s mechanisms of creating new meanings and forms of dance. These problems are topical for specialists both in the sphere of history of art and cultural studies.

Keywords: history of art, myth, dance, ritual, cult, custom, magic, suggestion, discourse, ballet.

Аннотация: статья посвящена анализу эволюции понятия «театральная кукла» в отечественной исследовательской мысли. Можно утверждать, что феномен театральной куклы — изменяющееся, неустойчивое явление культуры, зависящее от трансформаций внутри театрального искусства. В статье показано наличие двух подходов к пониманию театральной куклы. Первый формирует образ театральной куклы как продукт установок современного исследователю театра кукол, второй фиксирует знаковые характеристики театра кукол как пространства изобразительного искусства.

Ключевые слова: культурология, знак, имитационность, кукла, культура, марионетка, образ, синтетический театр, сценическая культура, театр кукол.

Abstract: The article analyzes the evolution of the term ‘theatre puppet’ in Russian researches. It is fair to say that the theatre puppet is a changing and unsteady cultural phenomenon which depends on the transformation inside the theatre arts. The article shows that there are two approaches to the definition ‘theatre puppet’. The first definition defines the theatre puppet as a product of a modern puppet theatre and the second contains key characteristics of the puppet theatre as the space for fine arts.

Keywords: cultural studies, sign, imitationability, puppet, culture, image, synthetic theatre, stage culture, puppet theatre.

Аннотация: в статье с точки зрения массовой культуры как контекста оперной постановки исследуется сценическая версия оперы П. И. Чайковского «Пиковая дама» режиссера А. Галибина. В ходе анализа выявляются два момента. Во-первых, признаки массовой культуры в спектакле: преобладание репродуктивного начала над творческим, актуализация в игре актеров характерных особенностей поведения «человека массы», внешняя зрелищность и формальная иллюстративность сценографии и режиссуры, отсутствие целостности и последовательности режиссерского решения. Во-вторых, реализация в спектакле принципов функционирования массовой культуры: простота, доступность, привычность, необременительность и удобство для восприятия.

Ключевые слова: культурология, массовая культура, классика, искусство, музыка, театр, опера, интерпретация, режиссура, сценография.

Abstract: The article studies the stage version of P. I. Tchaikovsky’s opera ‘The Queen of Spades’ directed by A. Galibin from the point of view of mass culture being the context for an opera performance. The study results in the two conclusions. Firstly, it is concluded that the features of mass culture in a performance include: dominance of the reproductive beginning or over the creative one, actualization of specific behavior of a ‘mass human’ in acting, external visual appeal and formal illustrations of scenography and stage direction, absence of integrality and consistency of solutions in acting. Secondly, it is concluded that such a performance realizes the principles of mass culture: simplicity, accessibility, regularity and easy perception.

Keywords: cultural studies, mass culture, classics, art, music, theatre, opera, interpretation, stage direction, scenography.

Аннотация: статья представляет собой проблемный разговор об интерпретации драматургии А. П. Чехова в современном мировом театре и фестивальной практике последних лет. Она анализирует конкретные спектакли прошедшего в 2010 г. в Москве Международного театрального фестиваля имени А. П. Чехова. Автор задается вопросом: а действительно ли показанное в Москве в год юбилея писателя отражает главные тенденции мирового чеховского театра и представляет собой художественно-достойное зрелище. Если это так, то продемонстрированное на фестивале создает обширное поле для полемики — не только в сфере интерпретации данного писателя в господствующей режиссерской практике, но и, главное, в области сложившихся в нашей стране принципов театрально-фестивальной политики.

Ключевые слова: искусствоведение, юбилей А. П. Чехова, мировой театр, драматургия, режиссура, спектакль, сценический текст, международный фестиваль в Москве, интерпретация, театральная жизнь.

Abstract: This article is a topical conversation about interpretation of A. P. Chekhov’s dram in modern world theatre and festivals of the recent years. The article analyzes concrete stage plays shown in 2010 in Moscow during the International Chekhov’s Theater Festival. The author questions whether those plays actually refl ected the main tendencies of the global Chekhov’s theatre and were a decent even in art. If so, then the plays shown during the festival create a vast fi eld for polemics – not only in the sphere of interpretation of this author in our directing practice but, which is the most important, in the sphere of established principles of the theatre festival policy in our country.

Keywords: history of art, A. P. Chekhov, drama, play, inter national festival, anniversary, Moscow, interpretation, theatre life.

Аннотация: статья посвящена анализу значимых реформ русского балетного искусства, которые привели к углублению его содержания и в повышению художественного уровня. Первая из них связана с П. И. Чайковским, вторая — с композиторами, привлеченными в балет С. П. Дягилевым (И. Ф. Стравинский, С. С. Прокофьев и др.). Их творчество изучено хорошо, однако суть балетно-музыкальной реформы в исследованиях пока еще выявлена недостаточно, поэтому нами и предпринята попытка заполнить эту лакуну.

Ключевые слова: искусство, история балета, русский балет, реформа русской балетной музыки, балетный спектакль, дансантность, драматургия и симфонизм музыки П. И. Чайковского, симфонический танец, «освобождение диссонанса» в музыке И. Ф. Стравинского и С. С. Прокофьева, модернизм (авангардизм) в музыке начала XX в.

Abstract: The article shows how color corresponds to various predicates of existence. The author describes certain concepts on ‘color modeling’. Color concepts are shown in various aspects of the model design.

Keywords: cultural studies, color, image, images, values, concept of color, information models, color as information, values and color, intelligence models, color in culture.